MASTODON – Blood Mountain

Marco Belardi: La mia unica pretesa era che i Mastodon tirassero fuori un’altra Blood & Thunder. Il disco in sé poteva anche essere un obbrobrio totale, pretendevo solo una canzone da ascoltare per settimane, in loop. Per quanto io rimanga più affezionato ai loro primi due album, Blood Mountain fu la summa creativa della band di Atlanta, il punto d’arrivo. Considero ogni mutamento o evoluzione da Crack the Skye in poi divagazioni originate dalla volontà ferrea di discostarsi pian piano dal metal furioso degli esordi. La canzone che desideravo la trovai praticamente subito, The Wolf is Loose. Veloce, con una batteria posseduta dal diavolo, e Brann Dailor in odore di diventare uno dei miei preferiti in assoluto, o forse già lo era dall’album precedente. Il problema di Blood Mountain, è che era a metà fra Leviathan e Crack the Skye, e così lo erano le sue musiche, ora dirette e furenti, ora sognanti e psichedeliche. Fra una Crystal Skull e una Sleeping Giant mi sarei fiondato a occhi chiusi sulla prima. Ho sempre ritenuto che il lato “prog” dei Mastodon sia quello riuscito meglio, con maggiore ispirazione e costanza, proprio su Crack the Skye. Adorabili Capillarian Crest, Colony of Birchmen e Circle of Cysquatch, il cui riff sul finale superava ogni soglia di pesantezza.

AGALLOCH – Ashes Against The Grain

Michele Romani: La prova del terzo lavoro, si sa, viene un po’ considerata quella decisiva nel futuro di un gruppo, soprattutto se ti chiami Agalloch e hai pubblicato in precedenza due dischi della madonna come Pale Folklore e The Mantle. Dalla pubblicazione di quest’ultimo John Haughm e soci se la sono presa comoda: Ashes Against The Grain infatti segue di ben quattro anni il predecessore. Che siano gli Agalloch a suonare te ne accorgi dopo 10 secondi ma pure un sordo noterebbe che tra i due dischi ci sono delle differenze abbastanza nette. Se The Mantle privilegiava territori folk acustici, Ashes da questo punto di vista abbonda di chitarre distorte e harsh vocals. E i brani, come al solito mediamente lunghi, hanno più impatto e immediatezza. L’unica che ricorda un po’ The Mantle è la splendida Fire Above, Ice Below, mentre il resto del disco si mantiene su quelle atmosfere doomeggianti che avevano fatto la fortuna del debutto (impossibile non pensare ai riff katatonici di Falling Snow e a quel capolavoro di Not Unlike The Waves) con qualche influenza post rock udibile soprattutto nella triade finale di Our Fortress Is Burning…, la cui prima parte è un altro nei momenti più alti di questo bellissimo disco, che ci proietta per l’ennesima volta nel meraviglioso autunno perenne della band di Portland.

DEICIDE – The Stench of Redemption

Luca Venturini: Nel 2004 i Deicide stavano messi male. Venivano da una serie di dischi piuttosto brutti e i rapporti tra i membri erano tesi. Da una parte i fratelli Hoffman, dall’altra Benton e Asheim. Senza entrare nello specifico, andò a finire che si separarono. Gli Hoffman mollarono, o furono licenziati (ci sono versioni contrastanti), e Benton e Asheim andarono in cerca di due nuovi chitarristi. Assunsero Jack Owen, membro fondatore dei Cannibal Corpse che se ne era appena andato da questi ultimi, e Ralph Santolla, un virtuoso dello strumento, che non aveva propriamente un passato death metal, o almeno non solo. Ad un primo ascolto The Stench of Redemption lascia un po’ basiti. Manco sembrano i Deicide. Non tanto per una maggior melodia delle canzoni quanto per quello stile neoclassico con assoli e armonizzazioni elaborate che i nuovi chitarristi suonano lungo tutto il disco. Ora, generalmente le opinioni attorno a questo disco sono positive. E sì, se paragonato ai lavori immediatamente precedenti i Deicide si erano decisamente risollevati. Ma per me è un grande mah. Tolte Crucified for the Innocence e The Lord’s Sedition il resto mi sembra tutto un po’ ripetitivo e, in fondo, banale. Le melodie non sono veramente memorabili e, per quanto il disco possa suonare accattivante, non è poi così incisivo. Capisco perché molti ne siano entusiasti, ma a me sembra che sia solo un disco di ritrovata vitalità per Benton e Asheim senza aggiungere poi chissà che alla discografia dei Deicide. Più una cosa per loro stessi che per i fan.

DRACONIAN – The Burning Halo

Michele Romani: The Burning Halo segue solo di un anno Arcane Rain Fell, quello che all’ unisono viene considerato il disco migliore dei Draconian, anche se non può essere considerato un nuovo album a tutti gli effetti: gli inediti infatti sono solo tre, mentre il resto del disco è composto da altrettanti tre pezzi risalenti al terzo demo The Closed Eyes of Paradise e due cover, una dei Pentagram e una di tali Eskeption che, perdonate l’ignoranza, non ho idea di chi siano. In realtà grandi differenze tra i pezzi nuovi (tra i quali spicca l’eccellente She Dies) e quelli del demo praticamente non ce ne sono, lo stile dei Draconian è sempre quello, puro doom gotico novantiano con pochissime variazioni sul tema che continuerà a dividere l’audience tra chi li ha sempre apprezzati e chi li considera un inutile e modesto gruppo derivativo. The Burning Halo rimane comunque un buon lavoro, forse l’ultimo ancorato a questo stile prima di modernizzare un po’ la proposta sonora a partire dal successivo Turning Season Within in poi.

NAPALM DEATH – Smear Campaign

Marco Belardi: In quel periodo Jesse Pintado aveva fatto il suo ritorno nei ranghi dei Terrorizer e con loro pubblicato un disco: Darker Days Ahead. Che poi, risentito a distanza, non è affatto brutto, ha semplicemente un cantante che non mi è mai andato giù. Dopodiché a Jesse Pintado successe quel che tutti sappiamo. Con i Napalm Death dal vivo, svariati anni prima, lo vidi sul palco in una delle sue ultimissime calate italiane, a Prato, immobile per tutto il concerto alla sinistra di un indemoniato Barney. Nel frattempo la sua vecchia band continuava a macinare album su album, uno più bello dell’altro: il filotto era stato inaugurato con tutta probabilità all’epoca di Enemy of the Music Business e terminò proprio nel 2006, dopo un lustro nel quale il gruppo inglese sembrava avere trovato la formula vincente, e non avere alcuna necessità di spostarsi di una virgola da lì. A Smear Campaign mancava forse una Silence is Deafening, il pezzo frontale di livello assoluto, ma era ad ogni molto tutto gradevole da assimilare. Ho sempre adorato Puritanical Punishment Beating ma la hit fu When all is Said and Done, in cui furono abilissimi a rispolverare lo stile di Diatribes. Senza far incazzare nessuno. Anneke van Giersbergen fece la sua comparsa in un paio di composizioni. Ignoro come la cantante dei The Gathering possa essere finita qui, e la risposta risiede forse nel detto “adesso ti lascio e bacio il primo che incontro”. In effetti, se faccio mente locale, li aveva appena mollati.

TERRORIZER – Darker Days Ahead

Luca Venturini: Non ricordo le parole esatte ma tempo fa, sulla chat Telegram con i lettori di Metal Skunk, qualcuno disse, più o meno, che oltre a World Downfall dei Terrorizer non ci fosse poi altro di rilevante da ascoltare. Effettivamente, non posso che dargli ragione. Darker Days Ahead è il secondo disco della band che, con l’esordio di cui sopra, ha contribuito in maniera immensa a definire non solo il grindcore ma anche certo death metal, e arriva dopo 17 anni, senza David Vincent al basso e Oscar Garcia alla voce. Darker Days Ahead è il disco di una band che probabilmente non aveva niente di meglio da fare in quel periodo e ci ha provato. Il risultato è così così. I riff si assomigliano l’uno con l’altro, e in questo una produzione piatta non li aiuta. Alla voce, Rezhawk è monotono. Alla batteria, Sandoval ce la mette tutta ma senza particolari estri creativi. Poi c’è il problema dei problemi: in copertina c’è il nome Terrorizer. Se un disco del genere fosse uscito per una band dal nome, che so, Brutal Sbudellament Distruzione Vaffanculo 666 poteva pure avere un senso. Col carico che invece si porta dietro il nome Terrorizer, sarebbe meglio se questo disco non fosse stato mai fatto. A intristire ancora di più il tutto fu la morte, per insufficienza epatica, del chitarrista Jesse Pintado pochi giorni dopo la pubblicazione.

BLODSRIT – The Well of Light Has Finally Dried

Michele Romani: Sul capitolo Blodsrit sposo in pieno quanto scritto in sede di recensione dall’ esimio collega GRIFFAR in occasione del secondo Ocularis Infernum: un gruppo che ha sempre avuto tutte le carte in regola per sfondare ma che misteriosamente è sempre stato relegato a un ruolo di nicchia. I dischi almeno fino al 2007 per quanto mi riguarda sono tutti da avere (in primis quel capolavoro di Helveteshymner), incluso questo The Well of Light Has Finally Dried, appena 29 minuti di musica ma più che sufficienti per far capire a qualche neofita che magari neanche li conosce come si suona ‘sto genere. Niente orpelli, parti acustiche, intro lunghe 5 minuti o roba simile, bensì puro e incontaminato black metal svedese suonato coi controcazzi da gente mai scesa a compromessi. Vi invito a recuperare la vicenda assurda che coinvolse uno dei due chitarristi, Emil Yxmarder Koverot. Siamo ancora nella fase in cui i Blodsrit facevano della melodia uno dei propri punti cardine, che purtroppo è venuto un po’ a mancare negli ultimi due lavori, più sperimentali e meno ispirati rispetto alla prima produzione, che invito caldamente a riscoprire.

DIE APOKALYPTISCHEN REITER – Riders on the Storm

Bartolo da Sassoferrato: Nel 2006, quando uscì il disco, era disponibile da qualche mese Need for Speed: Most Wanted. Nonostante la mia condizione di neouniversitario che andava avanti a scatolette di tonno per risparmiare sul cibo e andare ai concerti, comprai il gioco e Riders on the Storm ne divenne quasi automaticamente la colonna sonora, . Thrash Metal? Power Metal? A me sembra una rissa amichevole tra generi davanti a un falò. Notevole l’opener Friede sei mit dir, che ti augura la pace mentre la batteria ti asfalta a trecento all’ora. Poi arriva la title-track. Fuchs canta come uno chansonnier parigino chiuso in un bagagliaio, e ogni tanto il bagagliaio si apre e ne escono urla. Dr. Pest, sul sedile posteriore, suona la fisarmonica con la cintura slacciata violando il codice della strada e una sua personalissima promessa a Gesù. In Revolution irrompono trombe e tromboni latinoamericani, e per un attimo non sai se sei inseguito dalla polizia o da una banda di mariachi pentiti, sfuggiti anzitempo da un matrimonio a Veracruz, emuli del maestro Canello durante il concertino dell’ultimo dell’anno. Nel disco c’è anche molta melodia. Le atmosfere vagamente zigano-piratesche di Seemann son là per ricordarci che i Reiter sono probabilmente ubriachi quando compongono canzoni. I violini parlano dialetto. Schenk mir heut’ Nacht va cantata col boccale alzato, possibilmente a 190 km/h. MMMH è quello che dice il tuo cervello quando non ha più parole. Probabilmente anche le pattuglie di Need for Speed, quando bruciavo tutti i posti di blocco, si domandavano come mai dall’abitacolo dei miei veicoli uscissero cori da taverna bavarese. Le strisce chiodate non mi hanno fermato: i cavalieri non si fermano mai, al massimo rallentano per la traccia strumentale, che sta a metà del disco come una sosta dal benzinaio sta giusto prima della seconda metà della fine del mondo.

HEAVEN SHALL BURN – Deaf to Our Prayers

Luca Venturini: Si potrebbe dire che gli Heaven Shall Burn sono una delle migliori band di death melodico svedese fuori dalla Svezia. I tedeschi infatti uniscono riff alla In Flames e Dark Tranquillity alle ritmiche hardcore mantenute delle loro origini, così come i loro testi fortemente politici. Deaf to Our Prayers è però un disco che mi ha sempre lasciato un po’ perplesso. È melodico, più potente dei suoi precedenti, senza orpelli, ispirato e viscerale. Il gruppo ha voluto dar sfogo a certe pulsioni distruttive e l’ha fatto nella maniera più diretta possibile. D’altro canto però questo è anche il suo limite. È vero che la musica è immediata, non c’è bisogno di molti ascolti per apprezzarla, ma d’altro canto mi pare rimanere in superficie. Tanto velocemente ti entra in testa, altrettanto velocemente ne sei stufo. Dopo un po’ pare che tutte le canzoni si assomiglino e che il disco intero giri intorno a poche idee rimescolate. Tutto sommato non è malaccio, comunque. Diciamo che se non avete mai ascoltato gli Heaven Shall Burn, questo potrebbe essere il disco dal quale cominciare.

TO/DIE/FOR – Wounds Wide Open

Michele Romani: Quando penso ai To/Die/For (la band preferita del collega Charles) il mio ricordo va sempre a quel terrificante concerto al Palacisalfa di Roma nel 1999 di supporto a Sentenced, Dark Tranquillity e In Flames. I finlandesi aveva fatto un discreto botto con l’esordio All Eternity, dischetto neanche malvagio (nonostante l’insopportabile timbro nasale del cantante) appartenente alla cosiddetta corrente love metal tanto di moda all’epoca. Peccato che quella sera non si reggessero letteralmente in piedi col risultato che il concerto fu un disastro totale. Almeno loro si esibirono, non fu così purtroppo per i Sentenced che non salirono proprio sul palco per le condizioni indicibili in cui versava il povero Mikka Tenkula, che se non ricordo male si era presentato alla data milanese precedente seduto su uno sgabello per la troppa vodka ingurgitata. Su questo Wounds Wide Open in realtà non c’è molto da dire, così come non c’è molto da dire su tutti i dischi successivi all’esordio perché è veramente complicatissimo distinguerli l’uno dall’altro: trattasi come già detto di un goth pipparolo senza infamia e senza lode, con l’aggravante che questo disco in particolare si ricorda solo per l’imbarazzante cover di I Just Want You di Ozzy Osbourne, visto che il resto dei pezzi è di una noia mortale. È di recente la notizia del rimpiazzo alla voce di Jarno Peratalo con tale Sanna Solanterä, e che la band stia lavorando dopo anni a del nuovo materiale. Attenderemo trepidanti.