Appena uscito il singolo di Peso666, Apollyon, lo abbiamo ascoltato subito e abbiamo visto il relativo video. Pur apprezzandone il contenuto musicale, ci erano sorte alcune perplessità, in particolare sulla presentazione e sul forte richiamo concesso agli ospiti che sarebbero entrati nel progetto. L’ascolto del disco B(l)ack in Time per intero ha ridimensionato quelle perplessità, perché si è rivelato un lavoro decisamente personale, nel quale Peso ha raccolto esperienze, influenze e idee musicali anche molto differenti. Ci sono il thrash e il black metal, com’era lecito aspettarsi, ma anche tempi dilatati, una ricerca ritmica originale e una particolare attenzione al groove e alle atmosfere. La sua batteria inconfondibile è lo strumento che sostiene e caratterizza i brani, insieme al basso diventa quasi sempre il punto di partenza della composizione, mentre le collaborazioni si inseriscono come dettagli in una musica che possiede già una propria identità. Ne risulta un album piuttosto vario, che conserva una riconoscibile impronta personale anche nei momenti più lontani dalle forme consuete del metal estremo. Abbiamo voluto parlarne direttamente con Peso, con il quale abbiamo approfondito particolarmente il suo metodo compositivo, il rapporto con gli strumenti e le influenze musicali che hanno trovato spazio in questo lavoro, soffermandoci in particolare sulla libertà con cui ha affrontato la scrittura dei brani. Non manca qualche accenno alla particolare formazione con due bassi scelta per i concerti, della sua attività di insegnante e del ricambio generazionale nella scena metal.

Ciao Peso, bentornato su Metal Skunk. Dunque questo tuo Peso666 è un progetto molto personale, e ascoltando B(l)ack in Time lo si avverte chiaramente. Che cosa sentivi il bisogno di esprimere quando hai ricominciato a scrivere per conto tuo?

È stata una necessità artistica. Pensa a un pittore che, a un certo punto, ha un’ispirazione e si mette a dipingere un quadro a casa sua, senza un obiettivo preciso. Di solito non sta già pensando a quello che potrà succedere dopo. Per un musicista di solito è un po’ diverso: ci sono la casa discografica, il manager, certi meccanismi, soprattutto per uno come me che suona da tanti anni. Stavolta, invece, volevo semplicemente dipingere il mio quadro. Le idee mi arrivavano già a fiume durante il tour d’addio dei Necrodeath; me le appuntavo sul telefonino o al computer e mi dicevo: “Quando finiamo questo grosso impegno, da gennaio mi chiudo in studio”. Ho avuto anche una bella fortuna, perché ho potuto farlo nella struttura dove lavoro, il cui direttore è Pier Gonella, che è stato chitarrista dei Necrodeath per vent’anni. Gli ho chiesto di affiancarmi come produttore artistico, lui era disponibile al cento per cento e in otto mesi siamo riusciti a tirare fuori l’album.

A parte il sostegno di Pier Gonella, quindi, la composizione è stata interamente tua?

Sì, ho lavorato da solo. Però, a onor del vero, quando mi incartavo e mi chiedevo: “E adesso come faccio?”, Pier arrivava sempre con la risposta giusta al momento giusto. È stata un’altra grossa fortuna. Qualche intoppo che da solo non riuscivo a superare me l’ha risolto lui.

C’è un aspetto del tuo metodo compositivo che mi interessa particolarmente, anche perché di te si parla quasi sempre come batterista: il basso è uno degli strumenti con cui immagini e costruisci i brani, traducendo in musica le idee che hai in testa. Che funzione ha avuto, in concreto, nella composizione?

Intanto io suono il basso solo a due corde, Mi e La, perché tutte e quattro per me sono troppo difficili! Però con quelle due corde ho composto quasi centocinquanta canzoni dei Necrodeath e la maggior parte è poi finita sui dischi. Siccome lo suono male, naturalmente, ho bisogno di qualcuno che sappia reinterpretare le mie idee come si deve. Per me è un mezzo per tirare fuori un riff, un’idea. Altre volte, invece, la musica mi viene direttamente in testa. Non so perché, ma mi succede spesso quando guido in auto: registro l’idea con la voce sul telefonino e poi cerco di trasformarla in un riff di chitarra o in un giro di basso.

Era già questo il tuo modo di lavorare con i Necrodeath, dunque?

Assolutamente sì, è il mio modus operandi. A volte parto dal basso, oppure da un’idea che mi è venuta in mente. Altre volte parto direttamente da una traccia ritmica di batteria e ci costruisco sopra il riff, la parte armonica o melodica che ci sta bene. In sostanza, alterno questi due metodi.

In un lavoro così personale, quale spazio hanno avuto gli altri musicisti nella scrittura dei brani? In particolare i numerosi ospiti che hai coinvolto per completare il disco.

Gli ospiti non sono intervenuti nella scrittura, sono arrivati alla fine, quando la tavola era già tutta apparecchiata e hanno fatto, appunto, gli ospiti: cantanti e chitarristi. Per quanto riguarda le voci, per la prima volta ho voluto togliermi uno sfizio personale e cimentarmi anch’io nel ruolo di cantante. Anzi, no, scusa: “cantante” è una parola troppo grossa. Diciamo che ho fatto “delle parti vocali”.

Questa precisazione di modestia te l’ho già sentita fare anche in altre interviste.

Ma quale modestia, cazzo! Non sono un cantante. Se mi sentisse un cantante vero, me ne direbbe di tutti i colori. Per fortuna facciamo un genere nel quale, con un po’ di esperienza, può cavarsela anche chi cantante non è. E io, in realtà, dietro al microfono ho una certa esperienza. Da quando Flegias è entrato nei Necrodeath, quindi dal 1998, ho sempre registrato i provini e i demo dei testi che scrivevo per lui. Glieli mandavo perché potesse sentire come avevo pensato le parti vocali. All’inizio erano cassette, poi siamo passati ai file. Se non ha buttato via niente, Flegias deve avere un archivio incredibile di preproduzioni con la mia voce. È una cosa che ho sempre fatto, anche se sottotraccia. Quando però ti trovi a registrare un disco vero e proprio, ti rendi conto dei tuoi limiti. Così ho pensato: “Visto che ho tanti amici musicisti, perché dovrei cantare tutto io?”. Il primo a cui l’ho chiesto è stato Eric Forrest, cantante degli E-Force ed ex Voivod. Siamo in contatto da anni. Gli ho detto: “Mi faresti qualche intervento? E magari partecipi anche a un pezzo in cui cantiamo insieme”. Ha accettato subito, con una disponibilità incredibile, e mi ha dato la spinta per contattare gli altri. Ci siamo scambiati i file, ma le parti da cantare e i testi glieli avevo preparati io. Con gli altri ho fatto lo stesso. A Manuel Merigo degli Insidia, per esempio, potevo dire: “Qui mi fai un assolo, poi ti lascio carta bianca”. Lo stesso con Brogi dei Messiah e con gli altri chitarristi. La struttura del brano era già pronta. A loro spettava mettere la ciliegina sulla torta.

A proposito degli ospiti, vorrei tornare a quello che avevo scritto quando hai pubblicato Apollyon. La mia perplessità riguardava soprattutto il modo in cui era stato presentato il singolo: la presenza di Mantas, naturalmente importante, appariva come il principale elemento di richiamo, attirando l’attenzione più sulla collaborazione che sulla musica. Nella recensione osservavo che un musicista come te non ha bisogno dell’avallo di personaggi che sono, artisticamente, suoi pari. Mi chiedevo, insomma, se ospiti tanto riconoscibili non si portassero dietro il rischio di essere più ingombranti che utili all’interno un progetto che porta il tuo nome. Come hai recepito quella critica?

Intanto toglierei proprio la parola “rischio”, perché per me non c’è mai stato nessun rischio del genere in questo disco. È un album che non ha obiettivi da raggiungere: avevo bisogno di esprimermi e ho voluto condividere questa esperienza con degli amici musicisti. Mantas, per esempio, lo conosco da tantissimi anni. È venuto anche qui a Rapallo, nel nostro studio, a registrare un assolo per i Necrodeath. Abbiamo diviso il palco parecchie volte, anche ai tempi degli Empire of Evil, il gruppo che aveva fondato con Tony Dolan. Quando se n’è andato il loro batterista, mi hanno chiamato per chiedermi se volessi entrare nel gruppo. Ho declinato l’invito e li ho messi in contatto con Francesco “Frullo” La Rosa degli Extrema. Poi ci siamo incontrati di nuovo l’anno scorso, a un festival a Parigi. Abbiamo suonato insieme e Mantas è salito sul palco con noi. So benissimo che Mantas è il padre del black metal, ma per me è prima di tutto un amico. Lo stesso vale per Ciardo, il cantante dei Delirium X Tremens, o per Alessio Medici dei Violentor: magari non hanno la notorietà di Mantas, ma per me non fa differenza. Come ho chiamato loro, ho chiamato Jeff (Mantas). È condivisione, pura condivisione con amici musicisti e non sto lì a menarmela se uno è più ingombrante, se mi offusca il nome o cose del genere. Non mi sono proprio posto il problema. Mi è piaciuto fare il mio disco e mi è piaciuto far partecipare queste persone. In otto mesi di lavoro è stata una delle cose più belle.

Sul piano della pubblicazione, invece, come hai deciso di gestire il disco?

Non ho un obiettivo di vendita. È tutto autoprodotto: non c’è una casa discografica, non c’è un manager, non c’è neanche un ufficio stampa. Lo puoi confermare tu stesso: questa intervista ce la siamo organizzata io e te, direttamente. Non ho nemmeno una distribuzione. Un paio di etichette mi hanno proposto di distribuire il disco, ma non ho accettato, perché non mi interessa. L’ho fatto unicamente per il mio piacere. Chi vuole può ascoltarlo sulle piattaforme, poi ho fatto anche una tiratura limitata a trecento copie di CD, che porteremo ai concerti per chi lo vorrà. Fine, tutto qua.

Dunque, volendo riassumere, quelle erano seghe mentali nostre, di chi cercava di interpretare il progetto dall’esterno?

Eh si, erano seghe mentali vostre! Io l’ho fatto per il piacere della musica e per il piacere di condividerla con amici che conosco da anni, indipendentemente dal fatto che siano più o meno famosi.

Sì, ma io, da un progetto chiamato Peso666, volevo sentire soprattutto Peso.

Ma infatti alla fine hai sentito Peso666! Se ascolti le canzoni, ti accorgi che gli altri hanno fatto dei piccoli interventi, dei cameo, su pezzi che avevo già scritto e preparato io.

Certo, e ascoltando il disco per intero questa distinzione diventa evidente. La mia era una riserva sulla comunicazione iniziale, non sulla riuscita dell’album: una volta superata l’impressione lasciata dal singolo, si sente quanto sia personale e riflessivo questo lavoro, nel quale ritrovo tanto le tue origini quanto quelle del metal estremo in generale.

Tu hai esperienza, lo sai: un singolo non racconta necessariamente tutto il disco. Apollyon è diventato il singolo perché è stato il primo pezzo che ho finito. Flegias mi ha anche dato una mano con il videoclip, che ha realizzato lui, e siamo partiti da quello per far conoscere il progetto. Ma nell’album ci sono altri undici brani. Mi fa piacere che tu ci senta la mia mano, però non sono tutti uguali: ci sono soluzioni ritmiche e influenze diverse, dalle prime forme di metal al thrash, fino a cose molto più dark e doom.

Entrando nei brani, ce ne sono due che mi hanno colpito in modo particolare, anche perché sono molto diversi fra loro. Il primo è The Abyss Is Open, che trovo notevole soprattutto per l’atmosfera, costruita intorno a un bellissimo ostinato di batteria e all’intervento di Daniele Piredda, la cui voce compare all’inizio e alla fine del pezzo.

Ecco, questa è un esempio di canzone che non sarebbe andata bene per i Necrodeath. Daniele canta nei Dohlmen, un gruppo doom sardo che invito tutti ad ascoltare perché sono fantastici. Ci hanno aperto tre date del tour d’addio e siamo diventati amici. Quando ho scritto il brano mi è venuta un’idea: “Cazzo, se qui ci fosse una voce in sardo, spiazziamo tutti!”. Ho chiamato Daniele e ha accettato subito.

L’altro è Heaven Without God, che mi piace molto perché, in fondo, resto un vecchio thrasher e mi piacciono le canzoni che corrono. Anche qui c’è un elemento di contrasto: Sibylle delle Witches parla in francese all’inizio del brano, come Daniele interviene in sardo in The Abyss Is Open.

Certo! Heaven Without God è un pezzo che, al contrario dell’altro, sarebbe potuto andare bene per i Necrodeath. Vedi? Nel disco ci sono diverse sfaccettature della musica estrema. E in questo caso la ciliegina sulla torta è stata Sibylle delle Witches. Con lei ci conosciamo dagli anni Novanta. Quando i Necrodeath si erano sciolti la prima volta, io volevo mettere in piedi un nuovo gruppo, i Necrosadist, e la cantante avrebbe dovuto essere lei. All’epoca abitava poco oltre il confine francese, vicino alla Liguria, e ci eravamo incontrati due o tre volte. Poi sono sorte troppe difficoltà e, dopo circa un anno passato a cercare di mettere insieme la band, non se n’è fatto nulla. In seguito Sibylle si è trasferita dalle parti di Parigi e ci siamo persi di vista, finché non ci siamo ritrovati tramite i social. Quando ho fatto questo disco mi è sembrata l’occasione giusta per chiamarla. Nel brano ci alterniamo: lei canta le parti A e C, io le parti B e D. Ecco, secondo me questo sarebbe potuto essere proprio un pezzo dei Necrodeath, perché ha quel tiro che avevamo nella band.

Mentre componevi, ti sei mai chiesto come avrebbero reagito i vecchi ascoltatori dei Necrodeath a una musica che, almeno in certi momenti, si allontana così tanto da quella del gruppo?

No, non ci ho pensato. Immagino che quelli della vecchia guardia possano apprezzare più facilmente Heaven Without God e magari non gradire The Abyss Is Open. Però non mi sono fatto questi ragionamenti mentre scrivevo. Ho composto liberamente e alla fine è venuto fuori Peso666.

Quanto è diverso il Peso di questo disco da quello dei Necrodeath?

Non tantissimo. Dopo quarant’anni nei Necrodeath è chiaro che mi porto dietro quel DNA. Qui però ho una visione musicale più aperta, soprattutto sul piano ritmico. È qualcosa di diverso, anche se credo si senta benissimo che sono sempre io.

Sì. Ci sono momenti, per esempio in Eternal Damnation o in Demoniac Overfly, nei quali il tuo modo di suonare è immediatamente riconoscibile, dall’octoban, all’uso degli incastri e in generale alle impostazione delle parti di batteria. Eppure, ascoltando l’album nel suo insieme, ho avuto l’impressione che tu abbia approfittato di questa esperienza solitaria per esplorare possibilità che prima rimanevano in secondo piano. Ti è capitato di scoprire qualcosa di nuovo nel tuo modo di comporre o di intendere lo strumento?

Mi sono sentito più libero. Ecco, “libertà” è la parola giusta. Nei Necrodeath certe cose sarebbero risultate un po’ forzate. Parlo soprattutto della batteria: qui non c’è sempre il batterista thrash o black metal, quello che ti aspetteresti da me. Si sentono anche le influenze che ho preso dal mondo delle percussioni. Non avendo quegli obblighi che ti o detto prima, mi sono lasciato andare, soprattutto dal punto di vista ritmico. Questo, però, non significa che abbia voluto fare cose più complicate o tecnicamente assurde. Anzi, per me la batteria deve lavorare in funzione del brano, anche facendo cose semplicissime. Tra i batteristi che ho preso come riferimento ci sono musicisti che hanno sempre suonato per la canzone, non per il proprio ego. Penso a Ringo Starr dei Beatles, a Larry Mullen degli U2, ad Alex Van Halen. Magari sono rimasti un po’ in disparte, perché suonavano con dei fuoriclasse o con delle rockstar, però hanno sempre messo il loro strumento al servizio della musica. Naturalmente questi riferimenti si mescolano con le mie origini: i miei due punti fermi restano John Bonham e Dave Lombardo. In questo disco, però, aggiungerei Igor Cavalera, soprattutto per le parti più tribali. I primi Sepultura li ho amati alla follia e il suo modo di suonare mi è sempre piaciuto. Nei Necrodeath, a volte, ho dovuto tenerlo un po’ a freno: quella musica richiedeva una batteria più dritta, più incisiva. Qui ho potuto sfogarmi e usare certi ritmi con maggiore libertà. C’è poi tutto il mondo delle percussioni, al quale sono molto legato. Ti faccio un nome: Trilok Gurtu, un batterista e percussionista che viene da un universo musicale completamente diverso dal mio, ma io amo il mio strumento e mi interessa ascoltare anche chi suona tutt’altro genere. Da lì prendi gli spunti, li trasformi e li fai entrare nel tuo DNA di strumentista. È quello che ho fatto con questo album e alla fine torniamo sempre alla stessa parola: libertà.

Per capire meglio come sei arrivato a Peso666, vorrei tornare per un momento agli ultimi anni dei Necrodeath, perché credo ci sia un collegamento da evidenziare con il tuo nuovo lavoro. È vero che avevi immaginato Singin’ in the Pain come l’ultimo album del gruppo?

Sì, è verissimo. Durante il Covid, quando ci siamo fermati tutti, c’è stato un tracollo. Credo sia successo a tanta gente: ci avevano chiusi in casa, non sapevamo più che cazzo fare, né se e quando ne saremmo usciti. Però avevo anche un sacco di tempo e Arancia meccanica era da sempre un mio pallino, un film che mi era proprio entrato in testa. Così mi sono messo a trasformare in musica le emozioni che mi aveva lasciato. Nella mia testa stavo componendo l’ultimo disco dei Necrodeath. Poi, nel 2021, ci hanno fatto ripartire: abbiamo suonato tre date con il pubblico distanziato, una situazione abbastanza demoralizzante. Da lì in avanti ho cominciato a vedere più locali mezzi vuoti che mezzi pieni. Non so come l’abbiano vissuta le altre band; ti dico come l’abbiamo vissuta noi. D’altra parte, io e Flegias ci eravamo sempre detti: “Cerchiamo almeno di arrivare al quarantennale”. Ormai il conto alla rovescia era cominciato, e a un certo punto abbiamo deciso di completare il percorso.

E com’è nato, a quel punto, Arimortis?

Gli altri mi hanno spronato a scrivere ancora un album, ma io non avevo più ispirazione. A me le idee arrivano a ondate: quando arrivano, in otto mesi posso tirare fuori un disco; poi magari per due anni non mi viene neanche una nota. Loro insistevano: “Butta giù qualcosa, poi ti aiutiamo”. E io a Flegias ho detto: “Va bene, però i testi te li smazzi tu, perché non ho voglia e non so nemmeno di cosa scrivere”. Con l’aiuto di Pier ci siamo messi al lavoro e abbiamo composto Arimortis, proprio per dare una conclusione a quella storia. Gli album sono diventati quattordici e abbiamo portato l’ultimo in giro nel tour d’addio del 2025. Quel tour è stato incredibile. Abbiamo suonato in Italia e in Europa, ma soprattutto abbiamo ricevuto un calore e delle emozioni che non mi aspettavo. I locali, che prima vedevo mezzi vuoti, si sono riempiti di nuovo. Probabilmente la gente sapeva che ci avrebbe visti per l’ultima volta. È stato un bellissimo saluto.

Te l’ho chiesto perché Singin’ in the Pain, che a me era piaciuto molto già all’epoca, mi sembra avere qualche punto di contatto con B(l)ack in Time. È una sensazione che potrebbe anche essere sbagliata, ma in entrambi avverto, accanto alla componente più aggressiva dei Necrodeath, un maggiore interesse per tempi rallentati, groove e atmosfere; quasi che alcune idee, che allora convivevano con il linguaggio della band, nel progetto solista abbiano trovato uno spazio diverso. È una continuità della quale eri consapevole oppure è soltanto una mia impressione di ascoltatore?

No, non ci avevo fatto caso. Però ti posso dire una cosa: quando ho composto Singin’ in the Pain ero ispirato, proprio come lo sono stato adesso con B(l)ack in Time. Con Arimortis, invece, ho fatto un lavoro che possiamo definire su committenza. Questo non vuol dire che uno sia migliore dell’altro, o che una canzone debba riuscire meglio perché nasce in un modo anziché in un altro. Però forse hai toccato un tasto al quale non avevo mai pensato. L’unico collegamento concreto che mi viene in mente adesso fra Singin’ in the Pain e Peso666 era Valentina Rosasco: in quel disco aveva suonato il contrabbasso in un pezzo, e adesso è la bassista della mia nuova formazione. Ma dopo quello che mi hai detto me lo vado a riascoltare. Sono anni che non lo sento.

Pensi che Peso666 possa avere un seguito discografico oppure lo consideri un’esperienza legata a questo particolare momento della tua vita artistica?

Per ora è stata una necessità del momento. Non mi sono dato obiettivi, a parte quello di fare qualche concerto. Il tour d’addio dei Necrodeath è nato per diverse ragioni e, per quanto mi riguarda, una era proprio la stanchezza di viaggiare. Ho fatto un’infinità di chilometri con i ragazzi, sono stati anni bellissimi, per carità, ma ero saturo. Adesso mi piace anche passare qualche weekend a casa. La voglia di salire sul palco, però, non passa. Credo sia una specie di dipendenza. Se riesco a fare qualche concerto ogni tanto, sono contento. Questo è l’unico obiettivo che ho.

Per questo, pur senza programmare un seguito discografico, hai già messo insieme una formazione per portare le canzoni dal vivo.

Esatto. In questi giorni stiamo lavorando molto con la band. Ci sono Valentina Rosasco al basso, Oscar Morchio al basso e alle percussioni, Luca Masperone alla voce e alla chitarra e naturalmente io alla batteria. Questa è la formazione live. Anche i ragazzi hanno capito benissimo la filosofia del progetto e sono contenti di farne parte. Quando ci sarà la possibilità, andremo a suonare volentieri. Qualcuno mi sta già chiamando, tra l’altro.

È una formazione insolita, soprattutto per la presenza di due bassi accanto alla chitarra. Ne avevi già parlato per esempio durante l’intervista a Radio Cooperativa, oppure su BackDigit con Diego Banchero, ma vorrei capire meglio che cosa ti interessava ottenere con una scelta di questo tipo, anche dal punto di vista del suono e degli arrangiamenti dal vivo.

Grande Diego! E grande anche Mario Tio di Materiale Resistente, che mi supporta sempre!. Comunque, intanto diciamo che non ho inventato niente. Pensa ai King Crimson: a un certo punto quel pazzo di Robert Fripp aveva messo insieme una formazione dal vivo con due bassi, due batterie e due chitarre. Oppure i Girls Against Boys, che erano tutti uomini, nonostante il nome, e avevano due bassi. Però l’idea, l’input, me l’hanno dato i Ponte del Diavolo. Conosco Alessio, il loro bassista, abbiamo suonato insieme e diviso il palco diverse volte. Mi piaceva l’idea di avere tutte quelle frequenze basse sul palco, di spettinare la gente, di far tremare il culo! Proprio quell’effetto lì. E poi Oscar è anche un cultore delle percussioni, quindi avrà un doppio ruolo. Stiamo lavorando sugli intrecci ritmici e riarrangiando alcune parti proprio in funzione di questa formazione. Credo, almeno spero, che dal vivo riusciremo ad avere un’impronta molto personale.

Al di là dei concerti e del lavoro in studio, c’è un’altra parte importante della tua attività musicale, ovvero l’insegnamento.

Sì, e mi piace tantissimo. Fare il musicista è un mestiere difficile, perché non hai garanzie da nessuno. Come insegnante io faccio lezioni individuali, non di gruppo. L’eccezione è quando vado negli asili: ho sviluppato un metodo che ho chiamato “Laboratorio percussioni”, un’attività propedeutica alla batteria. Lì lavoro anche con gruppi di bambini. È una cosa che mi dà una soddisfazione enorme, davvero.

Qual è, nella tua esperienza, la cosa più difficile da trasmettere a un allievo?

La passione. È quello il mio obiettivo, indipendentemente dal livello che poi uno riuscirà a raggiungere. Non mi interessa far uscire dei fenomeni dai miei corsi. Voglio che ne escano persone, ragazzi ma anche adulti, che amino lo strumento e abbiano voglia di suonare con gli altri. Con la batteria, una volta imparate le basi, puoi già divertirti. Ma la parte importante è anche condividere la musica. Ti racconto un aneddoto, senza fare nomi. Avevo un allievo che proprio non era portato. È difficile quando hai davanti qualcuno che fatica a capire anche i meccanismi più semplici, mentre altri ragazzi afferrano tutto al volo e tu devi soltanto aiutarli a sviluppare il talento. Con questo ragazzo, dopo un anno, non sapevo più come andare avanti. Mi ero preparato un discorso molto delicato, prendendola alla larga, per suggerirgli di lasciar perdere. Proprio quel giorno, però, al bar ho incontrato una sua amica, la persona che ci aveva messi in contatto. Mi ha detto: “Non hai idea di quanto sia contento. Da quando viene da te è cambiato. Adesso sta addirittura mettendo su un gruppo punk ed è felicissimo”. E io ho pensato: “Cazzo, guarda che disastro stavo per combinare!”. È stato il destino, il karma, chiamalo come vuoi, a farmi incontrare quella persona proprio quel giorno. Se non l’avessi vista, avrei fatto un errore enorme. Quel ragazzo, con le due cose e mezzo che sapeva fare, aveva trovato la felicità e la passione per lo strumento. E io, senza nemmeno rendermene conto, avevo raggiunto il mio obiettivo. Da allora ho capito che il risultato tecnico non è tutto: la cosa più difficile, e anche più importante, è riuscire a trasmettere qualcosa che rimanga alle persone. Questa è la parte dell’insegnamento.

Proprio perché insegni a ragazzi anche molto giovani, vorrei chiudere con una questione che riguarda il futuro della musica che amiamo e continuiamo ad ascoltare. Ai concerti si incontrano ancora ragazzi, naturalmente, ma ho spesso l’impressione che il pubblico stia invecchiando: tu, che hai visto passare diverse generazioni, come giudichi il ricambio nella scena metal?

Eh, a trovarli, i giovani! Mi sembra che le nuove generazioni siano poco interessate. Ai concerti li vedo sempre in netta minoranza, mentre i capelli bianchi aumentano. Non so che cosa succederà dopo la nostra generazione. I teenager che trovi sono spesso i figli di quelli che già frequentano quei concerti. Poi c’è qualche ragazzo giovane che ti fa piacere vedere, ci mancherebbe. Però, quando ho cominciato io, eravamo tutti sbarbati, sul palco e sotto il palco. Riempivamo locali e teatri, e di capelli bianchi non se ne vedevano.

Quelli con i capelli bianchi, allora, ascoltavano ancora Elvis.

Bravissimo!

Ti ringrazio, Peso, per la disponibilità e per questa chiacchierata. E in bocca al lupo per i prossimi concerti.

Grazie a voi, per il tempo che mi avete dedicato e per la passione che condividete con me!

(Stefano Mazza)