Li produce tale Citizen Brick, che già ci aveva regalato (si fa per dire, vengono 15 dollari l’uno), tra le altre cose, i pupazzetti lego del sadomasochista, del cadavere ricucito e del cannabinomane. É andato esaurito in un paio di giorni. L’assenza di pentacoli e croci rovesciate rende il tutto troppo politically correct. Forse c’entra la presidenza di turno danese del Consiglio Europeo, boh.

Stefano Greco: Fino a pochi giorni prima della data ero convinto che andare a rivedere gli Sleep a poche settimane di distanza da una delle prestazioni della vita si sarebbe rivelato un errore. Mi erano piaciuti in maniera esagerata e quindi  temevo una qualche delusione, un ragionamento solo apparentemente sensato. È come dire che non torneresti al tuo ristorante preferito perché i ravioli sono troppo buoni, o come rinunciare a una scopata con Jennifer Lopez perché te la sei già fatta una volta. Un’assurdità completa. Archiviata la pippa mentale non ho potuto che presentarmi puntuale all’appuntamento con la messa del riff. E del volume. Già, perché poi alla fine di tutto quello che temevo davvero è che il suono fosse inadeguato, perché il volume basso è il più grande insulto al rock’n’roll. Cisneros & Pike sono lo Yin & Yang del metal, il mistico e il marcio, elementi opposti e complementari.  Dopesmoker ha aperto e chiuso il concerto, il volume era a palla. Non mi pare ci sia altro da aggiungere.

Ciccio Russo: Stava più male Rich Mullins dei KTB all’Acid Fest o Al Cisneros stasera? Un po’ come chiedersi se sia più forte Hulk o la Cosa. É uno dei due interrogativi cosmici che ci poniamo una volta seguito il fumo e apertesi di fronte a noi le ampie distese desertiche della riff filled land. Ma per far ciò l’ineluttabile presupposto è drop out of life with bong in hand e si arriva quindi troppo tardi per l’esibizione degli A Storm Of Light. Dopodiché ci si pone l’altro interrogativo cosmico. Dove cazzo è Fabrizio Socci? Ci aveva detto che forse sarebbe venuto. Io non lo vedo da una vecchia data degli Spiritual Front, sempre qua al Circolo. Ma lo sentiamo subito nell’aria, anche solo come presenza extracorporea (magari è uscito dalle sue spoglie mortali e negli ultimi mesi ha trovato comunque modo di collegarsi a un pc), quando parte Dopesmoker. La suonano quasi tutta per poi lasciar posto a esattamente tutti i brani che avreste voluto sentire a un concerto degli Sleep e riservarci la conclusione per il finale, prima di congedarci lasciandoci in balia di destabilizzanti feedback. I volumi sono insensati, ed è giusto così. Alla batteria c’è Jason Roader dei Neurosis, che fine abbia fatto Chris Hakius, che avrebbe mollato pure gli Om, non si è capito bene. Cisneros sta veramente a pezzi. É il nostro sciamano narcotico. Matt Pike, che a fine serata sarà visto trascinarsi una tizia nel tourbus con la grazia di un uomo delle caverne, ha un’aria meno rilassata e più psicotica. A un certo punto appare Socci. Mi giro un attimo e sta lì, ore 10, un metro. Lo abbracciamo increduli. Si era materializzato in quel momento, le vibrazioni doom alla loro massima espressione lo avevano evocato dal nulla. Del resto è un periodo nel quale si stanno accumulando tante di quelle coincidenze allucinanti che mi sembra di vivere nella seconda serie di Lost, vuoi non incontrare Socci al concerto degli Sleep? Let there be er Doom.

Roberto ‘Trainspotting’ Bargone: Vorrei specificare che non è che di colpo mi è venuta la fissa per il doom, lo stoner e in generale la musica da fattanza, è semplicemente che prende bene dal vivo e poi riesco a entrare facilmente nello spirito, diciamo. Quindi -a parte gli Sleep e altri più noti tipo i Karma To Burn- mi faccio tutti sti concerti senza conoscere neanche una nota dei gruppi che suonano; e  mi sto facendo una cultura sulla scena italiana che levati. Uno degli scopi principali è comunque beccare il Socci, ché non lo vedo da tre anni; e più ascolto sta musica più non riesco a capire come faccia il sempre lucidissimo e sobrissimo Socci ad ascoltarla tutto il giorno, tutti i giorni. Questa cosa, associata al fatto che ormai è seriamente sparito dalla circolazione (non che prima fosse un vitellone, ma un giretto ogni tanto ci usciva), ha generato una serie di teorie interessanti su cosa stia facendo il Socci adesso: si è suicidato? è entrato in una banda di motociclisti? è asceso al cielo? si è affiliato alla Sacra Corona Unita? Perché il Socci ormai è una categoria dello spirito; un genius loci dei concerti doom che si manifesta solo nelle occasioni in cui la folla inneggia ai sudari e alle tombe scoperchiate. Se gli mandi un sms, difficilmente risponde. Un messaggio su facebook magari è più rapido, ma hai sempre il dubbio che ci sia un bot che manda risposte in automatico: sì, no, non credo che riesco a venire, purtroppo quel giorno ho da fare, nun me va tanto de uscì oggi etc. A maggior ragione, quando spontaneamente ci ha detto che oggi sarebbe venuto, vedere il Socci è stato l’obiettivo principale della serata. Quindi arrivo al Circolo e gli mando un sms; lui risponde (!) io sono già qui; e io gli dico siamo vicini al mixer, dietro; e lui non risponde più. Puf, sparito, andato. Ci rimango di merda perché pensavo di bere una birra in allegria col Socci e Stefano Greco; quest’ultimo era in forse e poi non ci siamo più sentiti; e il Socci figurati se si riesce a beccare. Boh vabbè, comunque non si sta affatto male: il concerto è spettacolare, gli Sleep spaccano e nessuno dei tre membri della band sembra avere la minima idea di dove si trovi in questo momento. Il pubblico pure sta abbastanza di sotto, c’è un odore tipo tribù di indiani che fanno i segnali di fumo con la marijuana e parecchia gente strana in giro. Tipo persone di mezza età che ondeggiano allucinate manco fossero a Woodstock a guardare i Grateful Dead. Come fa il Socci ad ascoltare sta roba? Il Socci mantiene un grado di lucidità posseduto solo dagli elettori di Formigoni, come fa ad ascoltare doom per drogati? Lo cerchiamo nella folla, ma niente. Però c’è: lo ha scritto nel messaggio. Ma forse c’è nel senso che si è manifestato, aleggia su di noi traendo linfa vitale dal riverbero esasperato e dalla voglia di morire, forse Socci è con noi ogni volta che mettiamo su gli Electric Wizard; e probabilmente il Socci che abbiamo conosciuto era solo un avatar, una manifestazione immanente del santo patrono delle pietre tombali e delle cartine. Oppure Socci è il maestro dei cinque picchi. Non so se guardavate I cavalieri dello zodiaco. Il maestro dei cinque picchi era, in sintesi, un saggio signore con la barba e i baffi che stava sempre fermo seduto davanti a una cascata e a cui il cuore batteva solo una volta al giorno. Sì, dev’essere senz’altro così: Socci è il maestro dei cinque picchi. Certo però, a sapere che non avrei beccato il Socci sarei venuto con più calma.
Poi a un certo punto  compare tra la folla, lucido e sobrio come un bambino di cinque anni, muovendo la testa avanti e dietro. Mi chiede cosa ne penso del concerto; e io già non sono un esperto del genere, poi in questo momento ho i processi mentali parecchio lenti, quindi lo guardo e gli dico  solo ‘fico, fico‘. Incontriamo anche Max dei Kurnalcool in trasferta. Stefano Greco niente invece, chissà che cazzo di fine avrà fatto.

Fabrizio ‘Doom’ Socci: Se ci seguite dai tempi del cartaceo ricorderete sicuramente quanto mi sperticassi in lodi verso gli allora sciolti Sleep, band seminale in ambito stoner/doom acido e lisergico ancor più degli immensi Electric Wizard. Neanche nelle mie più sfrenate fantasie all’epoca avrei immaginato che nel 2012 sarei riuscito a colmare la lacuna di non averli mai visti dal vivo, del resto le reunion non erano di moda e il buon successo degli High on Fire di Pike mi pareva un ostacolo insormontabile per il loro ritorno. Invece, il Dio dello stoner doom ha concesso un’altra possibilità e di questo gli siamo grati e sempre lo saremo. Per quanto validi sia su disco che dal vivo, il gruppo di apertura A Storm Of Light (band del visual artist dei Neurosis Josh Graham) è soltanto un buon antipasto e quando sul palco salgono gli Sleep e attaccano Dopesmoker… beh, lì finiscono le parole e inizia la storia. Speravo la facessero tutta di un fiato (per chi non lo sapesse dura un’ora) ma dopo una ventina di minuti hanno interrotto e alternato pezzi da altri album, e la palma del disco che meglio rende dal vivo va a Holy Mountain (titletrack su tutte). Per il resto mi riesce difficile parlare di una leggenda di questo calibro, capace di creare atmosfere da trip (in tutti i sensi) rimanendo nell’ambito della musica (molto) pesante, con capacità anche tecniche superiori a molti gruppi del genere. A differenza del 90% delle band dell’epoca (che abbiano effettuato reunion o non si siano mai sciolte poco importa) un loro concerto non ti fa rimpiangere di non averli visti anni prima quando erano in forma, ma ti fa dimenticare per un paio d’ore che sia passato tutto questo tempo. É senza dubbio il miglior complimento che si possa fare a questi giganti.

Dal nuovo album Alpha Noir/Omega White.

All’armi, siam baathisti

Va detto che un cantante che cambia sesso ti aiuta a diventare mentalmente più elastico. Forse è anche per questo che il buon Matt con il tempo ha lentamente cambiato visione politica fino a diventare un anarchico. Una volta al concerto del 1 maggio io ed Emanuele avevamo conosciuto un americano che si era presentato con nonchalance come un “anarchico dell’Ohio”, come se si trattasse di una corrente del pensiero antagonista tra le più celebri. A me per associazione erano venuti in mente i nazisti dell’Illinois. Il tizio era in compagnia di un suo amico che era appena tornato dal fronte e sembrava Jack Nicholson nella scena finale di Qualcuno volò sul nido del cuculo. Totalmente shell shocked. Tanto per rendere la situazione meno imbarazzante, Emanuele si era portato una bandiera dell’Iraq da sventolare. Ogni tanto per cazzeggiare facevamo partire il coro Sad-dam Li-be-Ro Sad-dam Li-be-ro e decine di difensori del proletariato lì presenti ci venivano dietro per l’imbarazzo dei telecronisti Rai. Ma non divaghiamo troppo e dall’anarchico dell’Ohio torniamo al nostro anarchico della California, che ha fondato un’altra one man band chiamata Liberteer e se ne è uscito con un disco che spacca il culo ai lombrichi. Better To Die On Your Feet Than Live On Your Knees è uno dei migliori dischi grind usciti in questo primo scorcio di 2012, anche se, paradossalmente, potrà piacere più a chi non è troppo avvezzo al genere che agli aficionados più coriacei, che potrebbero storcere il naso di fronte a dei suoni fin troppo puliti. Il ricorso a una simile produzione è però pienamente giustificato dal peculiare stile del progetto, che riesce nell’ardua impresa di dire qualcosa di nuovo in un genere dove l’originalità è richiesta quanto frac e papillon a un festival crust al Forte Prenestino. Frustate di marca hardcore come Without Blazon, rese ancora più dolorose dalla struttura lineare e freddamente matematica, si alternano infatti senza forzature a brani dai toni cadenzati e tambureggianti come Build No System e Rise Like Lions After Slumber tra synth da giorno del giudizio e un’epicità quasi black. Se domani volete scatenare la rivolta abbrustolendo la station wagon di un malcapitato pizzicagnolo la cui connivenza con le ciniche trame della finanza strutturata è tutta da dimostrare, fatelo con i Liberteer in cuffia. (Ciccio Russo)

L’Australia, si sa, è un posto particolare, isolato dal resto del mondo e popolato dai discendenti di ex carcerati, uomini duri che vivono in un luogo dove la natura è ancora matrigna ed è possibile morire disidratati per aver sbagliato uscita autostradale mentre si costeggia il deserto o venire divorati da un coccodrillo mentre si cammina sovrappensiero tra le paludi. Uomini come i The Beards, una di quelle band che dimostrano come nella musica spostare ancora più in alto l’asticella del bizzarro sia sempre possibile. Sono tutti irsuti come licantropi e loro testi parlano delle gioie di possedere una folta e ruvida barba, tra titoli come My Baby Left Me For A Man Without A Beard,  Beards Don’t Kill People, People With Beards Kill People e Why Having a Beard is Better than Having a Woman, un impegno concettuale che li ha portati a esibirsi in Alaska in occasione dell’edizione 2009 delle World Beard and Moustache Championships.  No, non suonano sludge. Però ci hanno regalato numerose hit da spiaggia perfette per essere alternate al nuovo Cannibal Corpse durante i weekend estivi, come il nuovo imprescindibile singolo You Should Consider Having Sex With A Bearded Man (le lettrici sono invitate ad alimentare il dibattito in proposito), tratto dal recentissimo Having a Beard is the New Not Having a Beard, per il quale è stato girato uno spettacolare video che segue quello altrettanto meraviglioso di If Your Dad Doesn’t Have a Beard, You’ve Got Two Mums.

Sto iniziando a capire meglio perché dalla land down under sia venuta fuori gente come i Sadistik Exekution.

Shadowmaker

Morte ovviamente in senso evolutivo, perché se gli Accept riescono ancora a fare Stalingrad e i Running Wild ora se ne escono con questo Shadowmaker vuol dire che lo stampino è di quelli buoni. Shadowmaker è uno di quei dischi per cui non ha molto senso fare una recensione. I Running Wild suonano uguale da trent’anni, questo dovrebbe essere il quattordicesimo album e chi ci si avvicina sa già esattamente cosa troverà. L’unica variabile è il totale predominio dei midtempo: mancano quasi del tutto i momenti frenetici alla Powder & Iron, tutto è molto rilassato, estremamente groovy, cadenzato. Lo strumento principe è ovviamente la chitarra, col rifferama da trattoria intorno a cui gira tutto, come se nulla fosse mai cambiato. 

E i Running Wild sono sempre rimasti gli stessi. Anche adesso, che sono praticamente una one man band, sono sempre i Running Wild. Shadowmaker è prodotto meglio di Rogues En Vogue, che suonava come se fosse stato registrato in salotto (ipotesi peraltro da non scartare). E in generale questi  sette anni gli sono serviti per mettere da parte qualche canzone carina: Piece Of The Action, Riding The Tide (e qui davvero il tempo non si è mai fermato), I Am What I Am, Into The Black, ma pure la titletrack e Sailing Fire; tutte prese di peso dall’antico immaginario fatto qui rivivere, Rock’n’Rolf, i suoi miagolii e riff su riff come se non ci fosse un domani. Perché se ci pensate Rolf Kasparek è come un nonno che quando eri bambino ti ha raccontato un casino di storie sui pirati, forgiando la tua persona e la tua immaginazione con quei racconti di eroi beffardi e beoni con la sciabola al fianco, la gamba di legno e il pappagallino sulla spalla, sempre pronti ad arraffare mappe del tesoro e ingaggiare duelli con la marina mercantile, in sprezzo della morte, che dopo una bottiglia di rum avrebbero affrontato qualsiasi cosa. Il nonno si è fatto vecchierello, e tende un po’ a ripetersi; ma tu gli vuoi bene, ti piace sentire la sua voce raccontare di scorrerie sui mari, e vorresti sempre che te ne raccontasse un’altra ancora; magari le storie che ti racconta adesso somigliano un po’ troppo a quelle vecchie, ma a te non importa: quello che importa è il racconto in sé. Gli assoli volano veloci sulle onde, e non te ne frega più un cazzo di nient’altro.

La menzione finale è per la migliore del disco, Me & The Boys, che con l’immaginario piratesco non c’entra nulla ma che chiude idealmente un ciclo con la mitologica Prisoner Of Our Time, dal primo disco: una dichiarazione d’intenti e d’essenza, un manifesto di tutto ciò che noi dovremmo essere a cinquant’anni; se non saremo così, avremo fallito. Perché alla fine non sono i soldi o i bei vestiti le cose importanti; sono queste, le cose importanti. (Roberto ‘Trainspotting’ Bargone)

KMFDM

Dedicare uno speciale esaustivo al mondo dei sinth, delle tastierine e di tutti quegli strani marchingegni è affare sì arduo. Difficilmente se ne viene a capo anche perché è un tunnel da cui non si esce con facilità. Per questo adesso vi beccate una carrellata spaventosa di video avanzati dal Camera ardente che all’uopo vi confezionai tempo addietro. Mi devo pure sbrigare perché sono in un ritardo mostruoso e sta uscendo una montagna di altra roba nuova che merita quantomeno due righe. Comunque non si tratta di scarti per cui aprite bene le orecchie. Del resto inserire i KMFDM tra gli scarti non rappresenterebbe di certo un comportamento etico. Perché lor signori di Germania c’era ancora il Muro di Berlino che già piantavano i semi dell’industrial e della musica rampicante elettronica. Infatti insieme a Die Krupps, Ministry e pochi altri sono da annoverare fra i padri fondatori del genere. Come è già accaduto per i succitati ministri anche gli impronunciabili Kein Mehrheit für die Mitleid hanno patito a causa dello scorrere inesorabile del tempo offrendoci un WTF?! non proprio all’altezza del glorioso passato ma pur sempre godibile. Poi c’è una tettona in copertina.

LADYTRON

I Ladytron capitanati dalla dolce Helen Marnie provengono dalla uggiosa città di Liverpool che in passato ha dato felici natali a moltissimi autori di in-sana elettronica. L’ultimo album, il quinto della carriera, si chiama Gravity The Seducer. Segnatevelo perché è davvero seducente, proprio come la carina Helen. Il loro è un electro-brit-pop un po’ fighetto, ai limiti dello shoegaze, ma tanto catchy che si fa ascoltare con mucho gusto. Macchia nera sul curriculum vitae: parteciparono all’album di remix dei Kings of Convenience, Versus (che poi è secondo me il cd dei KoC che si ascolta meglio), quindi sì, questa musica piacerà anche agli indiboi e alla gente con gli occhiali. Pazienza, che ci volete fare. Ma nel video si vedono un paio di gnocche.

PROJECT PITCHFORK

DAJE, ancora musica di Cermania. Letta così sembrerebbe un’altra di quelle amene proposte musicali tanto amate dai ragazzi occhialuti con la bicicletta dal sellino scomodo e il manubrio strano. Invece no, i PP hanno suonato in passato coi Rammstein e questo dovrebbe già bastarvi per capire che stiamo parlando di gente di un certo livello. Non vi facciate distrarre dal pittoresco face painting o dalle improbabili mise sfoggiate dai signori della forchetta perché ciò che conta non è l’aspetto danzereccio ma il suono danzereccio di Quantum Mechanics. Avevo già detto “danzereccio”?

ARMY OF THE UNIVERSE

Maledetti crucchi, abbiamo subito anche troppe invasioni da parte vostra. Mò abbasta. Infatti passiamo all’amata patria; quella degli italiani strana gente, dei Toto Cutugno, dei Bobby Solo, dei Mino Reitano, dei Leone di Lernia, dei Tony Tammaro e dei pizza-pizza-marescià. Maddeché, gli Army Of The Universe hanno un suono tanto potente quanto cazzuto è il moniker che si portano dietro. Mother Ignorance è il primo album per i milanesi ma già dimostra una maturità allo stato avanzato. Allo stato brado invece è la techno trance che ‘sti due giovinotti ci propongono. Quindi a pieno titolo meritano di essere annoverati nelle nobili carrellate dei nobilissimi Skunk Jukebox.

THIS MORN’ OMINA

L’Unification Des Forces Opposantes dei belgi This Morn’ Omina è musica tribal industrial ossessiva e allucinante da consumarsi preferibilmente oltre la data di scadenza in un tepee affumicato dai vapori balsamici di un calumet della pace dei sensi. Il tizio che li governa, Mika Goedrijk, è un folle scocciato che avrei paura ad incontrare per strada di notte. Dal video capirete subito di cosa sto parlando. Come i formaggi puzzoni i This Morn’ Omina sono roba per veri intenditori.

CONTRE JOUR

Il contre jour è una particolare tecnica fotografica che serve a ritrarre soggetti in contro luce. Un nome ben azzeccato se si ascoltano queste dolci note con attenzione. Il suono è minimale ed essenziale come le linee nere di una silhouette che si stacca da un fondo di forte luce. Del resto la new wave degli anni ’80 era fondamentalmente contrasto e i CJ sono puri cavalli di razza new wave senza se e senza ma. Fanno ripartire la carrozza lì dove Bauhaus, Joy Division, Cocteau Twins e i Siouxsie l’avevano parcheggiata. Nient’altro da aggiungere. One Night At The Station: una perfetta fotografia vintage del tempo che fu. Di tutta la qui presente carrellata sicuramente il disco che preferisco.

DELENDA NOIA

Bisogna citarli per forza primo perché sono italiani, secondo perché sono sardi. La provenienza geografica non rappresenta però l’unico pregio di questo duo alle prime produzioni discografiche col debut album Noia Estetica. C’è dentro la new wave italiana e il post punk (dai lo so che state pensando a questo). Innovazione non pervenuta, ma nemmeno cercata se proprio lo vogliamo dire. Il genere appartiene ad un’altra epoca in cui fu moda e stile di vita e che bello vedere che c’è ancora qualcuno che porta avanti l’idea. Come i pantaloni a zampa di elefante e i zatteroni: prima o poi ritornano. O come i peperoni se preferite.

IN THE NURSERY

Embè, anche i gemelli Humberstone suonavano già che manco ero nato e suonano ancora. Blind Sound, milionesimo disco degli In The Nursery, come accade da una quindicina di anni a questa parte, è un album che si  alterna all’ennesima colonna sonora. Come se il tempo non fosse passato e come se non avessero tutti quegli anni di carriera alle spalle propongono un sound ancora fresco fatto di tastiere neoclassiche e ritmi marziali. Un nome una garanzia: In The Nursery vuol dire fiducia.

SKINNY PUPPY

Altro nome pesantissimo nella scena sinth-qualcosa, post-qualcosaltro, dark-chemminchianeso ma sopra ogni altra definizione fondamentalmente industriale. Anche qui ennesimo splendido album di una immensa discografia. Bla-bla-bla, se li conoscete è inutile che stia a sprecare parole. Se non li conoscete è il caso di cominciare da subito magari con l’ultimo nato HanDover e poi seguire a ritroso tutta la produzione e che buon pro vi faccia.

A-HA

Eeeh, delfini curiosi. Lo so che vi piacciono gli a-ha e che non vedevate l’ora di riascoltare Take On Me. Anche io li adoro e con la scusa della pubblicazione del live Ending On A High Note, tour di addio della band, posso chiudere la vagonata con questo che è il più famoso dei videoclip dei principi del sinth pop norvegese. Se invece volete ascoltare il brano reinterpretato da Albano Carrisi cliccate qui. (Charles)

Piccolo post scrotum. Non ne parlerò mai male per il troppo affetto che nutro nei confronti dei Kirlian Camera ma l’ultimo album non mi è piaciuto e la cosa continua a non andarmi giù. Sicuramente il problema è mio perché in giro ho letto solo recensioni estatiche e mirabolanti. Boh, mi sarò rincoglionito. Angelo, Elena, potrete mai perdonarmi?

Innanzitutto una premessa: è un piacere tornare one night only a dividere le pagine coi cari Barg, Doom, Mighi, Ciccio, M.C. ed Acey come ai vecchi tempi. Mi diceva Roberto che questo post dovrebbe inaugurare una serie di interventi esterni per la rubrica italianoChitarra, spiegandomi che gli ospiti sono liberissimi di ripetere, nel caso, dischi già scelti in precedenza dallo staff di MS. Inizialmente è stato un piccolo sollievo, visto che i dischi italiani che per me sono stati, per un motivo o l’altro, importanti non sono tantissimi e buona parte è stata anche già pescata in precedenza. Poi mi sono chiesto cos’altro poter aggiungere a quanto di buono già scritto nelle puntate precedenti sui vari Nenia, Electrocution, Nerorgasmo, Cripple Bastards, Colloquio, Crown Of Autumn… E allora la scelta è stata di “ripetere” il meno possibile, cercando comunque di concentrare le mie scelte in ambito rock/metal.

NOVEMBRE – Arte Novecento (1996)
Questo disco (e, più in generale, i primi Novembre) è da sempre un tema gettonato nelle chilometriche chiacchierate tra me e Socci, che ancora ci stupiamo di quanto fossero avanti i fratelli Orlando all’epoca. Per dire, il bellissimo Wish I Could Dream It Again, pur con tutte le ovvie ingenuità, arrivava nei negozi prima di un Orchid a caso. Discorso simile per l’altrettanto spettacolare successore Arte Novecento, che sterzava verso la wave (con tanto di voce pulita) in netto anticipo rispetto ai tanti che ci proveranno di lì a poco. I Katatonia per esempio si muoveranno su coordinate simili con il pur ottimo Discouraged Ones, che però rispetto ad Arte Novecento arriva ben due anni dopo. Ne volete un’altra? I Novembre hanno coverizzato i Depeche Mode (con Stripped, precisamente) prima che il repertorio di questi venisse riscoperto e saccheggiato da cani e porci. Worn Carillon è forse il pezzo che tramanderei ai posteri, ma complessivamente il disco è tanta roba.

CRACKHOUSE – Pleasure Toy (1997)
“Siamo quattro stronzi maleducati e ubriachi che suonano come un incrocio tra i Faster Pussycat e i Motorhead. Lo facciamo talmente bene che le ragazze si eccitano e i ragazzi ci adorano”. E maleducati lo erano davvero, i Crackhouse da Padova. Ma la loro era una maleducazione che di goliardico non aveva nulla: semmai era depravata e politicamente scorretta, più Giulio Sacchi che Pierino (d’altronde il cinema di culto non deve dispiacergli, se esordivano con le tette di Tura Satana in copertina). La musica era un rock’n’roll cazzuto e, almeno in questo demo d’esordio, fortemente metallizzato (componente che ahimè andrà scemando nelle produzioni successive). A Napoli abbiamo una parola che sintetizzerebbe il tutto alla perfezione: cazzimma. Per i poco avvezzi, si può tradurre all’incirca con “cattiveria gratuita” (checché ne dica il Corriere Dello Sport nella foto in cima a quest’articolo). Ecco: i quattro pezzi di Pleasure Toy (quello che apre il nastro si chiama Scum: basta la parola) per me rappresentano la definizione pressoché perfetta di cattiveria gratuita in musica (ovviamente non fanno testo gli Unsane). Di gruppi più estremi ne potrete ascoltare anche diecimila, ma difficilmente avranno la stessa cazzimma.

ARGINE – Le Luci Di Hessdalen (2004)
Musicalmente dalle mie parti ci sono poche cose che funzionano (Gigione a parte). Una di queste è tutta la scena tra neo-folk e neoclassica partenopea, che negli anni ha sfornato roba buona come Gor, Ashram, Corde Oblique e, soprattutto, Argine. I primi due album, capolavori di neo-folk all’italiana, sarebbero scelte quasi ovvie, ma a …Hessdalen sono più legato: mi ricorda un periodo tutto sommato decente, per quanto il Napoli annaspasse in serie B. Il disco peraltro segnò una svolta quasi inaspettata nella musica di Corrado Videtta e soci, che per lunghi tratti assorbì influenze wave/post-punk (pezzi come Girotondo, soprattutto) e sonorità comunque più immediate. Eppure, nonostante la punta di scetticismo iniziale, la nuova veste funzionava eccome: all’epoca l’ho ascoltato un numero indefinito di volte e ancora oggi lo ripesco con piacere. Lo comprai, appena uscito, un sabato pomeriggio. Nel tragitto verso il negozio mi fermai a dare la precedenza a Vidigal sulle strisce pedonali. Quel giorno era squalificato.

I NOSTRI PORCI COMODI – Niente Bestemmie (2002)
I Nostri Porci Comodi sono un piccolo culto. Roba per pochi, illuminati adepti già a Roma; difficilissimo venirne a conoscenza oltre il raccordo. E infatti io mai sarei stato “illuminato” se il sommo Socci, ormai quasi una decina d’anni fa, non mi avesse passato la vetta assoluta che chiude questo EP: Morfeo. E insomma, ci sapevano fare, tra heavy metal “quadratissimo”, spruzzate punk e testi che mischiano vita vissuta e surreale: micidiale la feroce condanna (…) al single-coil di Chitarra Americana. Bella sul serio la cupa 1970: “Nero, il cielo a Birmingham”, e I Nostri Porci Comodi immaginano la città inglese scossa dalla furia di Paranoid. E poi dicevamo dell’anthem Morfeo, sorta di inno nazionale di chi si è rotto il cazzo e non ci crede più, stortissima celebrazione di nottambuli e reietti (“Confido nel letto e nel sonno profondo / Che ogni nemico sia tolto di torno”). La versione originale del pezzo (ai tempi reperibile in rete) peraltro si chiudeva con un sentito bestemmione, assente su disco (da cui il titolo dell’album, presumo). Gente che ci ha migliorato la vita.

PERIGEO – Azimut (1971)
I miei preferiti dell’ondata progressive rock italiana degli anni ’70. Rispetto ad altri gruppi della stessa categoria si distinguevano per le forti influenze jazz, e infatti questo esordio a tratti rimanda ai Colosseum di Valentyne Suite, che pure avevano tentato di imboccare la stessa via. Hanno fatto pure altre cose meritevoli (Genealogia, per dirne uno), ma scegliere questo è inevitabile: la classica cassetta (registrata da quella che ricevetti in prestito da un amico di mio padre) ascoltata e riascoltata quasi fino all’usura. Se la memoria non mi inganna era una C-90 e sul lato B c’erano gli ZZ Top. Dubito che Billy Gibbons avrebbe apprezzato l’abbinamento, ma hai visto mai.

RAS ALGETHI – Oneiricon – The White Hypnotic (1995)
Dei Canaan avrebbe dovuto a fondo il buon Socci (è la terza volta che lo cito, ma giuro che sono eterosessuale) quando verrà il suo turno per italianoChitarra. Teoricamente avrebbe dovuto già scriverlo, ma ai tempi doom non si comanda e ovviamente sarebbe una bestemmia mettergli fretta. Per ora vi basti sapere che il loro A Calling To Witness è uno dei tre dischi più belli degli anni ’00, io intanto ne approfitto per aprire il cerchio con i Ras Algethi, quintetto che vedeva già all’opera Mauro Berchi e altri due musicisti che lo seguiranno nel progetto successivo (il chitarrista Matteo Risi e il tastierista Luca Risi). La musica è l’ideale prologo ai Canaan, del cui stile sembra una sorta di versione più pesante virata doom (con tanto di alternanza tra growl e pulito e stacchi atmosferici con un violino che presumo sintetizzato, non essendoci credits al riguardo), anche se la svolta dark-wave in là da venire viene qui già prefigurata da pezzi come When Fire Is Father. Se la memoria non mi inganna, lo stesso Berchi ha preso un po’ le distanze da questo disco, dichiarandosene non del tutto soddisfatto ad anni di distanza, ma per me è troppo severo. Stima imperitura, comunque. (Tony Aramini)

Ma torniamo agli sgoccioli degli anni ottanta. Qualcuno ha provato a spiegare se e quale fosse il legame tra l’estremismo di destra ed i primi gruppi black metal norvegesi : il crollo delle ideologie, la fine del comunismo, il muro di Berlino, la nascente globalizzazione, il timore dell’invasione di immigrati slavi. Tutti fattori causa di insicurezza, minaccia ad un benessere costruito dopo decenni di socialdemocrazia inattaccabile. Nessuno ha mai prestato particolare attenzione ad un’altra variabile: la stragrande maggioranza dei primi blacksters norvegesi non superava i diciotto anni di età. Non so quali siano le vostre esperienze scolastiche ma personalmente ricordo che, ai tempi del liceo, più o meno tre quarti della mia classe era in preda a deliri fascistoidi ed era solita tappezzare muri e lavagne di croci celtiche e svastiche di benvenuto ogni qualvolta ci fosse lezione di italiano col professore dalle dichiarate simpatie progressiste. Ecco, Alba Dorata, il partito del tizio greco di cui sopra, parla di insicurezza sociale, di difesa dei veri valori greci (del resto, lo stesso Platone aveva concepito l’Iperuranio come un lager per le idee riottose), di extracomunitari da tenere lontani minando le frontiere o pestandoli a sangue se sono già entrati, ma lo fa con quel linguaggio, con quelle modalità espressive tipiche dei liceali tirati in ballo qualche riga più in alto. Perché l’idea che, nel 2012, sia possibile dare vita a strutture sociali interamente autarchiche, impermeabili a qualsivoglia influenza esterna sarà pure graziosa e affascinante ma è una colossale stronzata e chi le propaganda o non è ancora uscito dalla fase adolescenziale oppure è rimasto talmente tanti anni in galera da aver subito un corto circuito tra età anagrafica ed orologio biologico. Insomma, si può essere estremisti di destra, di sinistra, ultrademocristiani o pescetariani ma qualsiasi chiacchiera rimane pura e semplice aria fritta se non si fanno i conti con la realtà. Per questo derubricare la notizia del bassista greco eletto al parlamento con un manipolo di neonazisti ad una curiosa news da folclore metropolitano, da servizio di Studio Aperto con le musichette del Benny Hill Show e le immagini di Auschwitz in sottofondo è veramente l’emblema dei tempi. Sarà ancora più interessante tornare sull’argomento tra un mesetto, quando Alba Dorata sfonderà abbondantemente il tetto del 10%. (Matteo Ferri)

Non sono un fan del progressive, ma lo capisco. Capisco che, se un singolo musicista si lancia in assoli lunghissimi e anarchici, da un certo punto di vista potrebbe servire alla causa. Nel prog l’autoreferenzialità è contestualizzata, ha uno scopo ben preciso. Gli Spawn Of Possession invece sembrano quei bambini che al parco cercano di attirare l’attenzione della mamma facendo le acrobazie e dicendo mamma guarda, senza mani; mamma guarda, su un piede solo; e così via. Di solito poi le mamme fanno finire il giochetto rimproverando i bambini e dicendogli di smetterla di fare gli imbecilli, di sicuro non gli comprano i dischi. Un’altra figura stereotipica accostabile agli Spawn Of Possession è il maniaco con l’impermeabile che, come noto, va in giro a mostrare i genitali alla gente; ma anche in questo caso non è che la polizia affolli i concerti di questi signori; di solito tende ad arrestarli.

Il problema fondamentale rimane capire il processo compositivo degli Spawn Of Possession. Esistono diverse teorie al riguardo; l’ipotesi più accreditata è che usino una vecchia penna stilografica, di quelle che gocciolano inchiostro, e la agitino freneticamente a venti centimetri di distanza da un foglio di pentagramma; ed ecco un nuovo fantastico pezzo degli Spawn Of Possession. Non potrebbe spiegarsi altrimenti: Incurso è costituito né più né meno che da una successione di stacchetti e improvvisazioni frenetiche eseguite in modo insensatamente veloce e senza connessione apparente. Qualsiasi buona sporadica idea viene poi stroncata da quelle chitarrine stupidine che tutto suonano meno che death metal. Qualche tempo fa parlando dei Nightwish avevo fatto un discorso sullo spingersi troppo oltre in un genere musicale fino a diventare qualcosa di estraneo al genere. Ecco, quel discorso è adattabilissimo agli Spawn Of Possession. I quali, per la foga di suonare tecnico e veloce, si sono dimenticati di stare suonando death metal. E ora sono lì, nella loro torre d’avorio, a lambiccarsi il cervello su come intricare ulteriormente un passaggio o su quale battuta fare finire un riff. Tutti belli, sorridenti, felici e convintissimi di stare facendo la cosa migliore. E, invece, fanno proprio schifo. È un mondo difficile. Un sentito grazie da Max Cavalera, improvvisamente non più favorito nella corsa al disco più brutto dell’anno. (Roberto ‘Trainspotting’ Bargone)

L’anno scorso senza lo Stoned Hand Of Doom, il maggior festival italiano dedicato alla Musica del Destino, ci eravamo sentiti tutti un po’ orfani. Meno male che era intervenuta la prima edizione dell’Acid Fest a consolarci. Quest’anno invece a noi adepti del Sabba Nero sta andando veramente di lusso: stasera si vanno a vedere gli Sleep con le orecchie che ancora ci fischiano dall’Acid Fest 2 (in redazione è ancora aperto il dibattito sulla composizione del mix di droghe con il quale aveva pasteggiato il bassista dei Karma To Burn) e col cavolo che ci sarà il tempo per riprendersi perché, squillino le trombe e si aprano le tombe, sabato 19 maggio si manifesterà di nuovo lo SHOD con il suo settimo capitolo. Appuntamento alle 16 all’Init, l’unico club costruito in mezzo alle rovine di un acquedotto romano (magari a mezzanotte esce pure fuori qualche zombi in toga, nel caso ricordatevi: SEMPRE MIRARE ALLA TESTA), per l’apertura dei cancelli (dell’inferno). Si inizia con alcune tra le più interessanti nuove leve della scena, quali i romani The Wisdoom (già apprezzati al Pre Acid Fest dell’anno scorso), i parmensi Caronte, formatisi lo scorso anno e visti di recente a Bologna di supporto agli Electric Wizard, i miei concittadini Black Capricorn, discepoli dei Candlemass scoperti dal nostro Piero Tola proprio di spalla ai KTB, e i fiorentini Funeral Marmoori, nuovo ossianico acquisto di casa BloodRock. Dopo un’apertura dedicata alle sonorità più classicamente doomy si muta registro con il sudatissimo stoner dei genovesi Gandhi’s Gunn e dei bergamaschi El Thule, per poi cambiare nuovamente atmosfera e soffocare nei miasmi esalati dal rituale sabbatico allestito da due delle formazioni doom più longeve e talentuose della penisola: L’Impero delle Ombre, che tanto ci avevano esaltato l’anno scorso con il loro eccellente secondo album I Compagni Di Baal, e i veterani capitolini Doomraiser, che dal vivo ormai non temono rivali come può testimoniare chi li ha visti al Traffic il mese scorso insieme ai Red Fang. Si chiude all’ora delle streghe con l’orgia di fuzz servitaci dai grandissimi Orange Goblin, che stanno portando in giro il nuovo A Eulogy For The Damned, che li ha visti evolversi e distaccarsi ulteriormente dallo stoner duro e puro che aveva caratterizzato la prima fase della loro carriera. Non prendete impegni per sabato sera, quindi, e nel frattempo doom or be doomed.

Neanche a me ha preso, all’inizio; bisogna entrare un po’ nel concetto della cosa. Io ci sono riuscito venerdì scorso, quando Ciccio ha ospitato me e l’esile Charles per la consueta cena settimanale a base di salsicce e birra. Dovevamo fare una seduta intensiva di Sleep, visto che si era a qualche giorno del concerto (un tempo le sedute intensive le facevamo il giorno prima, che cosa bella era non avere un cazzo da fare), ma c’è voluto pochissimo perché capissimo che the gods who made metal are with us tonight e la cosa prendesse una piega diversa. Insomma abbiamo sentito i Manowar tutto il tempo, e ovviamente El Gringo è stata la ciliegina, più volte assaporata col pugno per aria e la birra sbrodolata addosso. Vi assicuro che nel giusto contesto spacca. Non so come spiegare, dovreste venire a mangiare le salsicce con noi. A questo punto non vedo l’ora che esca il film: nell’anno in cui escono The Avengers, il terzo Batman, Expendables 2, G.I. Joe 2 e il nuovo di Walter Hill con protagonista Stallone, e con il remake di Conan il barbaro uscito l’anno scorso, mancava solo un western bombardone coi MANOWAR in colonna sonora. La gente non sa che si perde, davvero.

a questi signori devo la vita

No, Mighi, quelli di For Snow Covered the Northland non c’entrano niente.

Nonostante il genere proposto non offra molte variazioni sul tema, la band inglese mantiene una sua identità ben precisa: se proprio c’è da citare qualche influenza, nei momenti più riflessivi e acustici hanno un qualcosa dei primi Primordial, anche se più di una volta soprattutto per i brani chilometrici mi hanno riportato alla mente i Nagelfar (band tedesca sfigatissima che oltre ad essere continuamente confusi con i Naglfar uscivano pure per una label sconosciuta che gli avrà fatto vendere 20 copie a disco, se vi capita riesumateli perché ne vale la pena).

Insomma Curse è un lavoro di tutto rispetto, parliamo di gente che questo genere sa come suonarlo e che non si lascia andare alla tipiche pacchianate in cui incappano molti gruppi dediti a queste sonorità, anche perché comunque i Wodensthrone rimangono fondamentalmente un gruppo black le cui influenze pagan-folk completano il sound proposto senza però diventarne la componente dominante. Un ascolto è tassativamente d’obbligo. (Michele Romani)

Il tempo è ancora incerto e, in ossequio alla legge di Murphy, ogni domenica piove e non si può andare al mare. I Baroness però ci invitano a non demordere e a imbracciare pinnefuciledocchiali con March To Sea, il loro nuovo brano dedicato alla gente che rimane imbottigliata nel traffico sulla litoranea. Il pezzo si può ascoltare qui in una versione live la cui qualità lascia, ahinoi, a desiderare e lo ritroveremo nell’imminente Yellow And Green, doppio album fuori su Relapse a metà luglio, in occasione dell’inizio della stagione dei cocomeri e dei racchettoni, che vede la band di Savannah proseguire il concept cromatico avviato con i precedenti Red Album e Blue Record, due delle migliori dimostrazioni che i Mastodon, oltre a fare scuola, qualche figlio non degenere lo hanno pure fatto. Un altra canzone che farà parte di Yellow And Green la potete ascoltare qua sotto. Attendiamo con discreta fiducia.

Se oggi lo incontrassi vorrei solamente che mi desse qualche scappellotto di quelli rudi che i nonni davano ai nipoti che avevano fatto qualche marachella di nessun reale valore, così, anche solo per sentirmi pienamente iniziato al suo mondo impossibile e a me sconosciuto ma certamente spaventoso. Me lo immagino che alle due di pomeriggio attacca con il primo degli Swans e fissa una parete bianca, con in mano un Mars. Il Mars si squaglia lentamente e si spappa tutto sulle dita ingiallite dalla nicotina (fumerà Matteo? Boh) e lui entra in una catalessi mostruosa. Per riprendersi ascolterà gli Abruptum e poi gli Halo, forse.

Torniamo a noi e facciamo che vi risparmio un po’ di tempo (che tanto immagino avrete tutti capito quante mie rece sono in effetti lunghe due righe, il resto è solo amarcord) e vi consiglio di ripassare questo. Si parla di 16 (o -16- o anche  –(16)- che fa più figo) e di come questo gruppo, nei fatti, sia piombato potente e inaspettato nella vita di chi negli anni ’90 è stato adolescente. Nella mia no, per dire, e come tante altre cose ho dovuto recuperare tanto quella lacuna immensa fatta di eroina e pestaggi domestici quanto quel bisogno pulsante di catarsi di cui forse non sentivo neanche la mancanza. E pero, che volete che vi dica?, è davvero un punto a favore della band se anche in condizioni di default esistenziale questi tossici grassi e pelati riescono a scuotermi fin nelle midolla. Dopo l’adolescenza e con ascolti ben più pettinati di quando avevo 17 anni.

La band è cresciuta notevolmente rispetto a vent’anni fa, ci mancherebbe, ma la differenza la fanno veramente ben poche cose perché il senso di disagio e il cinismo innato sono sempre gli stessi. Il loro crossover radicale e così naturalmente sludgy (senza che si debba ricorrere necessariamente a bottiglie di bourbon, che da Los Angeles a New Orleans c’è una bella distanza) anche qui tende a mantenere inalterate certe caratteristiche eterne della band, e cioè chitarre belle croccanti, voce filtrata, batteria groovy e un’inesorabile ondata di depressione in arrivo. Niente fischiettini alla Eyehategod, nessuna ode alla birra, nessun bisogno forsennato di prendere mosse in favore di chissà quale principio autodistruttivo solo per spiegare quanto di merda si stia al mondo, che tu nasca a Los Angeles o a Trottolino sull’Adige. E questo, sempre per fare un centone delle frasi di Matteo, mantenendo proprio una bella ottica hardcore autentica e un cinismo spietato che fa il paio con altre realtà metropolitane a loro coeve. Ciò fa anche riflettere sulla bontà ed estrema naturalezza della loro proposta sonora, che con suoni asciutti e dondolamenti assolutamente ficcanti fa un culo a strisce al resto dei barbuti di casa Relapse, etichetta con la quale i 16 mantengono ancora oggi rapporti saldi, iniziati col precedente Bridges To Burn e con la ristampa di Curves That Kick e Drop Out, i primi due dischi della band.

Picchi decisivi Her Little “Accident” (non voglio NEANCHE sapere che testo abbia), The Sad Clown, che con quel riff poteva benissimo essere un pezzo dei Deftones (faccio per dire) se questi si fossero schizzati un po’ più in vena, e non ultima la delirante Broom Pusher, con un intermezzo melodico che dice tutto e non lascia né speranza per il futuro né fiducia sugli effetti delle anfetamine appena comprate. Beyond Fixable pezzo spaccaossa.

Ultima cosa: sarà il mio personale mito per ogni tipo di esordio un po’ acerbo, sarà anche un po’ per il passato leggendario della band, ma Curves That Kick resta ancora un disco insuperato, lo stesso dicasi tutto sommato anche per Drop Out o Blaze of Incompetence. Ciò non toglie che questo lavoro già adesso entri nella mia personale decina di dischi killer dell’anno, assieme ad Unsane e, forse ma forse, addirittura i Saint Vitus. Che tanto la questione del ‘disco minore’ io proprio non la capisco. Cioè, che vuol dire ‘ma sai, The Fog è un Carpenter minore’ o peggio ‘Habemus Papam è un Moretti minore’? Non riesco ad entrare nelle finezze di queste discussioni per varie ragioni: innanzitutto è sempre troppo prematuro e rischioso valutare un disco/film/libro sulla base della sistemazione dello stesso oggetto d’arte negli stilemi personali dell’artista/band/eroinomane prestato alla musica, e questo per ragioni evidentemente legate alla tempistica della ricezione del pubblico. Poi, che una band mi faccia un disco che molti potrebbero definire un po’ al di sotto delle aspettative o in tono minore rispetto a dischi cardine di vent’anni prima, non so, mi fa un effetto-antiquariato senza fine. Il disco si ascolta (lo si compra prima, preferibilmente) e si poga contro il muro. Stop. Perché a forza di paragoni e cose del genere mi farebbe strano persino che gli Unsane di quest’anno uscissero con le ossa rotte, quando in effetti hanno tirato fuori un disco che spacca i denti ma è tutta una fatica che non vi dico paragonarlo ai loro ‘capolavori’. Poi, d’accordo, io quel tipo di underground non l’ho vissuto né dall’interno, né a distanza ma in contemporanea, però sticazzi, dai. Una volta qua era tutta campagna e sapete dove si va a parare.

Per tutte queste ragioni il nuovo 16 è un autentico disco bomba, in più mixa Scott Hull, sempre più Cino Tortorella dell’estremo. Per il resto, chiedete a Matteo. Magari a lui ha fatto schifo come poche cose, chi lo sa.

Ciao.

Balagueró

Tornando a Balaguerò, il nostro eroe, e qui mi assumo tutte le responsabilità, ha prodotto una discreta quantità di filmetti insulsi, trascurabili e ampiamente sopravvalutati. Darkness e Nameless erano allucinanti boiate indegne di qualsiasi distribuzione al di fuori dei patri confini, Fragile era l’apoteosi del grottesco involontario. Poi la svolta: Balaguerò entra dentro un condominio. Nella Spagna del boom economico e del mercato immobiliare che viaggia su percentuali di crescita in doppia cifra, l’eroe di cui sopra manda una giovane coppietta di yuppies rampanti alla mercé di una psicopatica agente immobiliare e realizza Para Entrar a Vivir, divertissement di un’oretta per la trasmissione Peliculas Para no Dormir, l’equivalente iberico dei Masters of Horror.

Con tutte le limitazioni che il mezzo televisivo impone, l’episodio è il punto artisticamente più interessante toccato dal regista fino a quel momento. E così, saggiamente, torna in un condominio e tira fuori [Rec], una storiella che frulla cliché e spunti altrui per tirarne fuori un prodotto non particolarmente originale ma senza dubbio ben confezionato. Ora, dopo l’incommentabile [Rec]2 è la volta di Mientras Duermes, anche questo girato quasi interamente negli interni di un palazzo.

trattamenti particolarmente raffinati

Accantonati gli pseudozombie posseduti e le frenetiche macchine a mano, Balaguerò gira un thriller dallo schema e dall’incedere d’altri tempi ma assolutamente attuale per le tematiche che affronta in modo più o meno latente. Cesar (Luis Tosar) è il portiere di uno stabile amato dai condomini e (inspiegabilmente) odiato dall’amministratore che non vede l’ora di trovare un pretesto per licenziarlo. Apparentemente gentile e disponibile, nasconde la sua reale natura di sociopatico insoddisfatto dietro sorrisi di circostanza ed ha, come unico obiettivo ed antidoto al suicidio, quello di rendere la vita un inferno alle persone felici. La sua vittima preferita è la giovane architetto Clara (Marta Etura), alla quale riserva una serie di trattamenti particolarmente raffinati senza (quasi) mai destare sospetti nonostante le evidenze. Cesar è un personaggio complesso le cui motivazioni, sfumate da una sceneggiatura che accenna ad un rapporto morboso con la madre morente senza mai approfondire troppo, sono apparentemente irrazionali ed ineludibili. Un uomo rassegnato alla depressione cronica come fosse un destino immanente ma anche un sadico che, non potendo raggiungere la felicità degli altri, progetta di trascinare tutti nel suo inferno personale.

Mientras Duermes, dicevo, dietro la sua struttura classica cela una natura politica, profondamente critica nei confronti dello stato della società attuale, rappresentata dal microcosmo del condominio, metafora sempre efficace nel cinema spagnolo (da quelli variopinti di Almodovar al concentrato di cinismo ed egoismo de La Comunidad, di De La Iglesia, fino a quelli infestati dei già citati [REC] uno e due). I rapporti interpersonali, spogliati dai formalismi imposti da ruoli e convenzioni, si riducono a miseri contenitori buoni solo a svuotare frustrazioni e fallimenti repressi. C’è, in tutto questo, un segno evidente dei tempi che cambiano. Se i due protagonisti di Para Entrar a Vivir venivano sequestrati e costretti a mettere in scena una grottesca rappresentazione di una famiglia felice, oggi non c’è più spazio neanche per l’ottimismo di facciata. Ecco, quindi, che Cesar non è liquidabile come un semplice mostro ma è l’icona di un male che l’Europa occidentale tutta ha covato e fatto crescere per anni, nascondendolo nelle piaghe di un benessere comune che non sarebbe mai scemato. L’anonimo Cesar diventa l’archetipo della sconfitta, non solo privata, ma anche collettiva ed al tempo stesso rappresenta il mezzo per mettere a nudo il becero, superficiale egoismo altrui. Così, tra tarde zitellone pettegole, invadenti bambine che guardano film porno nel segreto della loro cameretta e inservienti strafottenti, ecco arrivare il diabolico finale che riporta la narrazione sui binari di un manicheismo prevedibile. Fare i misantropi pessimisti è un lavoro che richiede talento, ispirazione e tanta pratica. Non è detto che Balagueró ne sia portato. Peccato.

(italianoChitarra raccoglie i piùdi5menodi10 dischi italiani a cui ognuno di noi è più legato affettivamente)

KURNALCOOL – Bumba Atomika (1998)
Tutto quello che ho detto sui Kurnalcool è vero. Penso sul serio che siano il miglior gruppo metal italiano di sempre, e che i loro testi raggiungano vette di lirismo altissimo. Gli hipster stanno rivalutando tanto gli 883 perché raccontano la provincia ma non credo conoscano i Kurnalcool, che non solo raccontano la provincia, ma lo fanno dal punto di vista giusto: quello dell’adolescente metallaro alcolizzato, fancazzista, un po’ sfigato e totalmente circondato da casi umani. Tipo Ciccio Russo. Max Pezzali, per dire, era un tamarro brianzolo con il Booster. Ad esempio: quando gli 883 hanno cercato di sfondare, hanno composto Come Mai; i Kurnalcool hanno fatto Volemo Andà Al Festivalbar, che con adeguata promozione potrebbe ambire a devastare le vostre classifiche del cazzo e a sostituire Il Ballo Del Qua Qua nell’immaginario degli americani (tra i quali, a quanto pare, detta canzone gode di enorme popolarità). A me i Kurnalcool hanno salvato la vita. È stato ormai otto anni fa, mi lasciò la ragazza e passai un periodo nerissimo; ne sono uscito in forma smagliante alla fine, ma c’è voluto parecchio; e ho passato mesi e mesi chiuso in casa a giocare a Mario Kart bevendo birra del discount e ascoltando principalmente Kurnalcool e Sentenced. Devo a entrambi la vita, sul serio. I Sentenced mi erano vicini nella sofferenza, e i Kurnalcool mi davano speranza. Tutti e due comunque mi spingevano al consumo di alcolici; ma poteva finire molto peggio, considerando che certa gente in questi casi finisce per iniettarsi eroina sotto le dita dei piedi o ascoltare emo. Io invece in quel periodo ho finito anche due Final Fantasy. E Bumba Atomika mi diceva che c’è del bello a questo mondo, riportandomi alle gioie più semplici della vita: il metallo, il vino, il pane col salame, le zingarate con gli amici, e in un modo più lontano possibile dalla coolness a cui spesso tende il rock’n’roll e dalla quale io, abbrutito a livelli barbari, ero lontanissimo.
Anche Blaze Bayley ti conforta se sei brutto, sfigato e puzzolente; ma Blaze Bayley è un simbolo, un working class hero, una specie di Giobbe del sottoproletariato inglese; i Kurnalcool sono vicini a te, e come te quando stanno messi male si riducono a bere la damigianella de vì da soli sul letto ascoltando il metallo e facendo un casì de Dio. Andare ubriachi con gli amici alle feste patronali e fare gli scemi; lo squallido bar notturno dopo una serata di bevute per farsi l’ultimo amaro (magari quello del carabiniere, che sa proprio di SFIGA di provincia); bere birra sulle sdraio in riva al mare parlando de pallò, de rock e de chi va a chiavà e poi sfottere quello che nel frattempo si addormenta; l’amico che ha la casa in campagna e con una qualsiasi scusa si va là a bere e tirarsi pallonate addosso; eccetera.
E poi Viè A Beve El Vì, che tra uno stornello e l’altro ti dice che qualsiasi cosa ti succeda non ti devi abbattere: la soluzione semplice e naturale è andare con gli amici a bere il vino, perché lo bevevano gli etruschi, lo bevevano i romani, da quando il mondo è mondo lo bevono tutti i cristiani. L’ho già detto mille volte ma mi ripeto: Vì Roscio De Morro, dedicato alla Lacrima di Morro d’Alba, è una delle mie canzoni preferite di sempre.

CARMEN CONSOLI – Mediamente Isterica (1998)
Ci sono legatissimo perché mi ricorda l’ultimo anno di scuola. Penso tuttora che sia un gran disco, anche se lei non si è mai ripetuta a questi livelli, né prima né dopo. Non so dove l’ho letto, forse da Scaruffi, ma sono d’accordo con chi ha detto che Carmen Consoli è un’autrice e musicista dotatissima con pessimi gusti musicali. Questo è il suo disco più chitarroso, e l’unico che valga davvero la pena di ascoltare dall’inizio alla fine. Besame Giuda, Geisha, Puramente Casuale, Sentivo l’odore (splendida), Quattordici Luglio, Eco Di Sirene; le conosco tutte a memoria, madeleine di un tempo confuso e felice che non tornerà. Non ho mai avuto molta identificazione coi testi, che parlano perlopiù di lei che è incazzatissima con un tipo che a quanto pare deve averla trattata piuttosto male. Mi dispiacerebbe augurarle che succeda di nuovo nella speranza che componga ancora qualcosa di simile; perché, anche se ho smesso di seguirla da tempo, alla Carmen non riesco a non voler bene. Alcuni pezzi li ha risuonati anni dopo, ma non è la stessa cosa. Qui spaccava davvero. Autunno Dolciastro ballatona dei diciassette anni.

DEVIATE LADIES – Religious As Our Methods (1997)
Questo disco ha avuto un impatto devastante nella mia vita. È uno dei primi dischi che mi passò Ciccio, dopo avermi parlato per giorni e giorni, a mensa, della CONFESSIONE. Perché questo è il disco della CONFESSIONE. Si tratta della prima traccia, Nec Sacrilegium Incesti Gratia, che è la registrazione autentica di una confessione in chiesa tra un prete (ignaro di tutto) e un attore, amico del cantante, che dice cose allucinanti. Ma allucinanti. È lunga da spiegare, dovreste ascoltarla da soli. E vi assicuro che ne vale la pena, se la ascoltate capirete perché. Non penso voi possiate avere niente di meglio da fare in questo momento che farvi sconvolgere l’esistenza dalla CONFESSIONE dei Deviate Ladies:

Per anni io facevo sentire sta cosa a ogni singola persona che conoscevo. Non sto scherzando: ancora adesso, ogniqualvolta sento la parola bagnato penso al minuto 2.20 e nella mia testa rivive il mitologico bagnato! Sì, BAGNATO, o mugnificentissimo padre; e questo succede in ogni occasione senta la parola bagnato, fosse anche a cena a casa della zia molto cattolica. Ci sono anche altre parole o sintagmi che mi fanno immediatamente rivivere sta cosa nel cervello. Tipo scarica elettrica, o brutta notte. Praticamente la CONFESSIONE non mi abbandona mai, qualsiasi cosa faccia. Io e Ciccio intervistammo Volgar, il cantante e deus ex machina, passandoci una serata al pub insieme, e ci è sembrato un tipo a posto. Brillante, espansivo, colto, pieno di vita. Abbiamo capito solo in quel momento che interpretava un personaggio; particolarmente convincente, peraltro. Perché tra testi e iconografia i Deviate Ladies (poi Deviate Damaen) sembravano dei nazisti ultracattolici lefebvriani omosessuali che propagandavano l’omicidio dell’inferiore, la sodomia e l’obbligatorietà della messa cinque volte al giorno; in latino. White Venus è una cover di Venus delle Bananarama con il testo contro le modelle africane. Eccetera. Anche N. Anathem spacca. Non penso ci sia mai stato niente di simile a loro in Italia.

RHAPSODY – Symphony Of Enchanted Lands (1998)
Voi ora ridete e fate gli imbecilli, ma non c’era nessuno che suonasse come i Rhapsody all’epoca. Adesso sì, ma perché loro hanno fatto scuola. Quando è uscito Legendary Tales io avevo più o meno sedici anni ed ero in fissa col power metal: vi lascio immaginare. Sono più legato al secondo album però perché lo aspettai con la bava alla bocca, poi ci fu il tour con Stratovarius e Sonata Arctica e io mi feci 500 chilometri per andarli a vedere. Emerald Sword è un pezzo tanto scemo quanto genuinamente BELLO, con il ritornello da fiera di paese allegro e spensierato che ti si stampa in testa dopo mezzo ascolto e non ti lascerà per tutta la vita; prima dei loro concerti la gente si abbracciava in massa per cantarla tutti in coro, io ho visto cose che voi umani. Però la mia preferita è la seconda, Wisdom Of The Kings, con il Turillone in grande spolvero e degli arrangiamenti già mostruosi pure con le risorse limitate dell’epoca. Il loro dualismo tra melodie facilone e arrangiamenti ultracurati all’epoca era molto più accentuato. Non vi dico la suite finale di quasi un quarto d’ora, dove il grottesco più surreale viaggia fianco a fianco a sprazzi di genio melodico puro. Ma tutto il disco è così: non si sono mai posti limiti, i Rhapsody, e sono la dimostrazione pratica che nel fare qualcosa bisogna calcolare il rischio di sbagliare e sembrare ridicoli. Forse se avessero avuto più senso del pudore non avrebbero mai fatto dischi, o quantomeno si sarebbero limitati a copiare. Invece hanno voluto essere i Rhapsody, e hanno portato molti momenti di felicità nel mio cuore. Grazie, mancanza di senso del pudore dei Rhapsody. Haters gonna hate.

SPITE EXTREME WING – Arcano Incanto (2002)
Questo è uno dei primi demo che ho recensito per Metal Shock. Ero piccolino, avevo vent’anni; e quindi nella rece mi feci prendere dall’entusiasmo. Ma anche risentito adesso, Arcano Incanto è non solo la cosa migliore mai fatta dagli Spite Extreme Wing (che comunque non hanno mai sbagliato nulla), ma forse la cosa migliore mai prodotta in Italia in ambito black metal. Solo tre pezzi, ma di una bellezza sfolgorante: Acqua Di Fonte Di Gloria, La Stirpe Divina, Reminiscenza Di Illusione Lunare. Se posso permettermi, peraltro, penso di essere stato uno dei primi in Italia a parlare di loro; e da qui la sottile soddisfazione che ho provato quando gli Spite Extreme Wing sono diventati un nome conosciuto. Arcano Incanto è finito poi pari pari su Magnificat, il primo full; ed è meglio così, perché quel demo era in cassetta e c’era il serio rischio che diventasse una cosa introvabile.

VERDENA – st (1999)
Primo anno di università. Nient’altro da dire. Li vidi anche dal vivo, era il loro primo tour, quindi suonarono tutto il disco. Verdena spacca ancora oggi, i Verdena hanno smesso subito dopo. Non so esattamente cosa stiano facendo adesso, ma so che non mi piacerebbe.

ANGELO BRANDUARDI – Alla Fiera Dell’Est (1976)
In America cantautore si traduce come folksinger. Questa sfumatura semantica ha fatto sì che le due scuole imboccassero opposti rami di un bivio che ha portato a riconsiderare completamente il genere da un punto di vista diatopico. Per dire, in Italia il cantautore era originariamente il tipo impegnato alla De Gregori o Guccini che si scrivevano i dischi da soli, e di conseguenza è stato poi considerato un cantautore anche Vasco Rossi (o Dalla, o la stessa Consoli). In America il prototipo alla Bob Dylan ha portato a considerare folksinger anche l’ultimo degli indiboi con una chitarrina acustica e i campionamenti degli uccellini nel bosco. Gli unici in Italia che riunissero entrambe le concezioni della cosa sono stati De Andrè e Branduardi. Mi piace De Andrè anche perché ci sono cresciuto, ma Branduardi è una delle pochissime persone al mondo che riuscirebbero a farmi piangere se le beccassi tipo all’aeroporto. Lo abbraccerei, gli direi grazie e non riuscirei a proferire più parola. Forse il successivo La Pulce D’Acqua è più bello nella sua interezza, ma Alla Fiera Dell’Est ha dei momenti di pura perfezione: la titletrack, La Serie Dei Numeri, Il Vecchio e La Farfalla, Il Dono Del Cervo mi fanno venire voglia di mollare tutto e andare a leggere Boccaccio in campagna, in armonia con la natura, alle prime luci dell’alba. Quello che riesce a trasmettermi Alla Fiera Dell’Est è unico; e proprio per questo, non riesco a comunicarlo a parole. Chi capisce questo disco non può che essere una brava persona.

CRIPPLE BASTARDS – Misantropo A Senso Unico (2000)
Ne ha parlato anche Ciccio, ma io ho visioni differenti su questo disco. Quantomeno parzialmente: Ciccio lo usa nei momenti di sfogo, per convincersi di cose che lui considera parossisticamente esagerate allo scopo cosciente di scaricare la tensione nervosa e sentirsi meglio. E Misantropo A Senso Unico è quello che in quel momento lui vuole sentirsi dire. Per me no: la maggior parte delle cose ivi contenute sono per me verità assolute e tristemente immutabili a cui sono ormai rassegnato, e il disco mi piace proprio per il modo semplice e diretto che ha di esprimerle. Spesso i gruppi hardcore che hanno quest’odio incontaminato verso il mondo esterno mantengono anche un atteggiamento bullesco, fondamentalmente politically correct in quanto inserito in un contesto di scena organizzata e abbondantemente sdoganata. I Cripple no. Suonano nei centri sociali eppure c’è un sacco di gente che pensa siano nazisti; fanno parte di un circuito fondamentalmente di sinistra eppure sparano cose allucinanti contro le donne e certe categorie sociali protette; senza contare le simpatie politiche di Giulio, di origine serba, simpatie che qui in Italia difficilmente trovano empatia nell’intellighenzia di chi decide cosa è giusto pensare e cosa non lo è. In definitiva Misantropo A Senso Unico è così efficace perché è chiaro che non è frutto di stereotipi o clichè; anche perché se avesse avuto testi ‘sdoganabili’ avrebbe potuto essere molto più commercialmente appetibile di quanto non sia (non che non abbia venduto, ma avete capito). Dal punto di vista musicale poi è uno dei dischi grindcore più belli che abbia mai ascoltato; e questo è il loro migliore proprio per i cori da stadio a quasi ogni pezzo, con tocchi di classe assoluta come Il Tuo Amico Morto, Dio è Solo Merda e Morte Da Tossico. Se dovessi descrivere me stesso con dieci dischi, Misantropo A Senso Unico sarebbe uno di questi.

AIRBORN – Against The World (2001)
Uno dei dischi power metal più sottovalutati di sempre. Produzione perfetta di Piet Sielck, con quel suono roccioso e grattato tipico dei suoi dischi che fa da contraltare a melodie da cartone animato anni ’80 e a testi che parlano di robot e paladini intergalattici. The Hero, da cui è stato tratto un meraviglioso video che vi invito a guardare per capire di chi stiamo parlando, nel booklet viene dedicata agli ex possessori di Commodore 64, con un ardore romantico che nella sua ingenuità commuove. Musicalmente poi The Hero è un incrocio tra i Gamma Ray e i Blink 182; penso sia una delle canzoni che più ho canticchiato tra i denti in vita mia. Stessa sorte per Born To Fly, il cui ritornello we are born to fly / we are born to go / where no man has gone befoooooreeee ce l’ho stampato in testa senza possibilità di scampo. Li vidi all’Agglutination due anni fa, ero felicissimo perché temevo che non li avrei mai visti e praticamente anche se quel giorno c’erano anche Cannibal Corpse e Korpiklaani erano gli Airborn quelli per cui avevo più fibrillazione. L’avevo scritto nel report, ma mi ripeto: c’è gente blasonatissima in ambito power metal che darebbe una libbra di carne per riuscire a comporre Return To The Sky, epicissima e piena di speranza, che ti consola e ti redime, con un bel riff, un bell’assolo, delle belle linee di chitarra, il tupatupa, il crescendo finale e non so, la voglia di salire sul tavolo col pugno in alto guardando il cielo con sguardo severo. Non ho mai capito perché questo disco non abbia sfondato come avrebbe dovuto. Io ascolto power metal da più di quindici anni e vi assicuro che parecchie volte ho visto gente strapparsi i capelli per roba che non valeva un decimo di Against The World. Il colpo di genio però è la ghost track, Heavy Metal Bubble, un rifacimento del tema di Bubble Bobble con l’arrangiamento power metal però fatta al computer. Io vorrei organizzare un bel barbecue con gli Airborn, secondo me ci si divertirebbe un casino.(Roberto ‘Trainspotting’ Bargone)

All’inizio volevo farla con Lars Goran Petrov, che come personaggio è più pittoresco. Entro nel backstage e ha l’aria stremata. E’ appena sceso dal palco, dove aveva sputato anche l’anima, e si è già concesso per un colloquio con un collega, quindi è comprensibile. Non mi reggo in piedi, puoi chiedere ad Alex (Hellid, il chitarrista nonché l’altro unico membro della line-up originaria superstite)? Ci guardiamo con quell’empatia che esiste solo tra i bevitori professionisti e decido di non insistere. Neanch’io sto combinato molto bene, del resto, ma a un concerto degli Entombed è difficile non sbronzarsi. Faccio per tirare fuori la mia copia di Left Hand Path per fargliela autografare e mi rendo conto di essermi portato dietro il cd di Clandestine, l’unico dove lui non canta. Dribblo la figura di merda all’ultimo momento porgendogli da firmare il notes. Lui si accende l’ennesima sigaretta perlpesso e finisce di collassare. Io vedo il foglio con la scaletta in terra, non resisto, me lo infilo in tasca senza manco chiedergli il permesso ed esco. In quel momento mi viene in mente quello che mi ripetono sempre i miei amici più stretti: vedi, Ciccio, noi ti facciamo passare tutto perché ti conosciamo e sappiamo che non sei una cattiva persona ma, ecco, spesso ti comporti in modo allucinante senza che te ne renda neanche conto. Trovo Alex, che invece è fresco come una rosa. Somiglia più al batterista di un gruppo HC straight edge che al chitarrista di uno dei gruppi death metal più importanti dell’universo.

Facciamo che ti nomino tutti i vostri dischi e per ciascuno mi dici le prime cose che ti vengono in mente, come dallo psicologo: Left Hand Path…

Eravamo giovanissimi, ci abbiamo buttato le canzoni che stavano nelle demo ma eravamo consci di aver fatto qualcosa di diverso…

Ma non credo immaginaste cosa avrebbe significato quell’album…

Beh, no ma c’era molto entusiasmo. Eravamo solo dei ragazzini, era il nostro primo disco, era tutto molto spontaneo ma volevamo cercare di essere una band diversa da tutte le altre… Con Clandestine migliorammo tantissimo, lavorammo con più calma. Alcuni pezzi di Left Hand Path risalivano ai tempi dei Nihilist, nel frattempo eravamo cambiati e maturati parecchio, eravamo in grado di scrivere brani più complessi e articolati, c’è più melodia ma anche più oscurità, adoro suonare quel materiale dal vivo.

E’ l’unico disco senza Lars. Perché se ne era andato?

Si era lasciato con la ragazza, stava a pezzi.

Ed è davvero l’unico motivo per il quale aveva lasciato la band? Si era parlato di problemi con Nicke Andersson, il vostro batterista di allora…

Non erano scazzi legati direttamente al gruppo ma a come si sentiva Lars in quel momento. Ci era rimasto molto male per la fine di quella relazione, andammo avanti un anno senza di lui, in quel momento era troppo preso dai suoi problemi personali per stare dietro agli Entombed e questa cosa andava rispettata. Ci fu un momento nel quale sembrò davvero non dover tornare più e ci mettemmo alla ricerca di un altro cantante, non avevamo altre vie d’uscita.

Con Johnny Dordevic faceste giusto qualche concerto, però, sul disco canta Nicke.

Nicke aveva scritto buona parte dei pezzi quindi sapeva benissimo come avrebbero dovuto essere cantati. Prendemmo Johnny, che conoscevamo perché aveva suonato il basso nei Carnage, in quanto, beh, devi pur presentarti con un cantante sull’album. Facemmo, credo, cinque concerti con lui, nemmeno un tour, la cosa non funzionava, però dovevamo far vedere che avevamo un cantante (ride)! Poi Lars, per fortuna, tornò…

E incideste Wolverine Blues, come venne fuori questo nuovo stile, il death’n'roll?

Eravamo cresciuti ancora tecnicamente e stavamo riascoltando un sacco di metal anni ’80, se non roba ancora più vecchia, e tutte queste influenze vennero fuori. Dopo un lavoro strutturato come Clandestine volevamo suonare brani più diretti, più rock. Eravamo al terzo album ed eravamo circondati da decine di band che suonavano tutte allo stesso modo, alcune come suonavamo noi ai tempi del primo disco. Ciò da una parte ci portò a seguire altri generi, dall’altra a cercare di essere originali. Se ascolti Wolverine Blues ci troverai un po’ di punk, un po’ di Sabbath, un po’ di rock’n'roll. Fu una reazione naturale all’evoluzione della scena, da un certo punto di vista. Abbiamo sempre operato dei cambi di stile drastici, tutti i nostri primi album sono diversissimi tra loro e l’identità della band stava anche in questo. Evolversi sempre, questo doveva essere il nostro percorso.

E con To Ride Shoot Straight And Speak The Truth c’è un altro cambio di marcia notevole, ci avete infilato pure un blues…

Eravamo cambiati ulteriormente, cercavamo sempre di fare qualcosa di nuovo e quella volta non ci demmo nessuna regola. Rispetto ai tempi del tape trading il death metal era diventato un genere consolidato. All’improvviso erano venute fuori centinaia di band che suonavano tutte come suonavamo noi ai tempi della primo demo. Lo so che oggi può suonare paradossale ma il death metal tradizionale era diventato un trend e il mercato era saturo. Il livello qualitativo delle band era crollato e la scena era diventata un po’ noiosa… Con i primi dischi avevamo fissato delle regole, toccava a noi sovvertirle.

Ma con Same Difference non faceste un passo un po’ più lungo della gamba?

Beh, sì, è un po’ troppo leggero, ci sono pezzi come Addiction King che mi piacciono ancora, non lo rinnego ma oggi non farei un disco come quello. Non ci stavamo più divertendo tanto, c’era una lotta di potere all’interno della band alla fine della quale Nicke se ne andò. Prendemmo Peter Stjärnvind, registrammo il disco e andammo in tour ma quei brani non funzionavano. Non stavano bene con gli altri in scaletta, alla gente non piacevano, erano troppo melodici, non era la direzione giusta. Anche quella volta provammo a fare qualcosa di diverso ma i fan restarono delusi. Fu anche composto troppo in fretta, roba di due settimane, ci lavorammo poco per via di tutti i casini che stavamo attraversando, avevamo  pure lasciato la East West, con la quale comunque avemmo una buona esperienza… Tutti fattori che influirono sul disco, a prescindere dal cambiamento stilistico.

E arriviamo ad Uprising…

Quello di Same Difference fu un periodo piuttosto stressante, quindi ci fermammo per un po’ e cercammo di prendercela comoda. C’era molta pressione su di noi al momento, la Music For Nations ci aveva mollato ma riuscimmo a sottoscrivere un nuovo contratto. Ci mettemmo semplicemente a jammare e e quello che ne uscì era roba più veloce, più dura, in parte più rock’n'roll, in parte più vicina alle nostre radici. La copertina riprende quella della prima demo perché Uprising fu una sorta di nuovo inizio. Ancora oggi quell’artwork è una delle nostre icone, è una delle magliette che vendiamo di più! Avevamo ritrovato il nostro marchio di fabbrica, il significato era questo.

Morning Star è un album sottovalutato, contiene dei pezzi incredibili…

Anche a me piace molto. Iniziammo a scriverlo in tour e avemmo più tempo per lavorarci, un budget più elevato per registrarlo, quindi curammo meglio i dettagli, c’è una produzione più nitida, canzoni più melodiche e ricercate… Anche quello fu in qualche modo un esperimento che non avremmo potuto ripetere subito dopo. Per Inferno quindi adottammo un approccio completamente diverso, più spontaneo; è più basilare e diretto, abbiamo alternato momenti death metal ad altri più sabbathiani. Però non tutti i pezzi funzionano allo stesso modo, la situazione stava iniziando a tornare tesa all’interno della band, non eravamo più tutti concentrati allo stesso modo. Jorgen fu il primo ad andarsene, poi toccò a Uffe e Peter. Si erano stancati dopo tutti questi anni, Uffe non aveva più voglia di suonare e andare in tour. Ricostruire il gruppo non fu facile ma non avevo la minima intenzione di mollare. Serpent Saints non ha richiesto tanto tempo solo perché dovevamo trovare dei nuovi membri ma anche perché è stato uno snodo estremamente delicato. Dovevamo dimostrare che gli Entombed erano ancora vivi e credibili, non potevamo uscircene con un lavoro che fosse semplicemente decente.

Questo ritorno alle radici death metal è legato al fatto che ora il compositore principale sei tu?

Non proprio, gli Entombed hanno un’identità molto chiara, possono cambiare i componenti, può essere più rock’n'roll o più death metal ma l’Entombed sound è sempre quello. Quando stavamo lavorando alle canzoni che sarebbero finite su Serpent Saints ritornare alle radici ci venne naturale. Con tutto quello che era successo dopo Inferno, con tre membri che se ne erano andati uno dopo l’altro, serviva una forte affermazione d’identità, e l’identità della band sta nel death metal. Ecco, questi sono gli Entombed: è il messaggio che volevamo dare con Serpent Saints. E’ piaciuto, è stato accolto bene dai fan, quindi adesso ci sentiamo più liberi e rilassati riguardo al suo successore. Stiamo coinvolgendo anche i ragazzi nuovi nel songwriting, ci stiamo divertendo…

A che punto siete con la lavorazione del prossimo disco, quindi?

Al momento abbiamo chiuso tre canzoni. Abbiamo una label gestita da noi, la Threeman, e nessuna pressione addosso, quindi ce la prenderemo comoda, non so dirti ancora se per la fine dell’anno sarà concluso, anche perché stiamo suonando parecchio dal vivo, faremo uscire un ep nel frattempo. Se volessi sarei in grado di scrivere un album in quindici giorni, però verrebbe fuori qualcosa che magari andrebbe bene a una casa discografica ma non di certo a noi. Vogliamo continuare a dare ai fan qualcosa di speciale, che sia il più curato possibile, anche perché i pezzi nuovi sono più complessi rispetto a quelli di Serpent Saints; sarà un lavoro molto diverso, altrettanto intenso ma con una maggiore dose di melodia… Beh, lo ascolterete! Quel che è sicuro è che non ci ripeteremo neanche questa volta. (Ciccio Russo)

I am my own God
Master slave and I will be beyond the grave
No one will take my soul away
I carry my own will and make my day

uno che ha sentito il pezzo e l’ha presa male

Sarete andati al cinema a vedere The Avengers, no? Voglio dire, se siete lettori di questo blog è normale che ci siate andati, o quantomeno che ci andrete a breve. Non ha dunque senso che mi metta a tessere le lodi del film, probabilmente uno dei più HEAVY METAL della storia del cinema insieme a 300, Conan il Barbaro, The Dark Knight e Ladyhawke; poi c’è pure l’incredibile Hulk che è il personaggio più brutal death di sempre, Thor con il suo mjollnir insieme a LOKI GOD OF FIRE e ultimo ma non ultimo Iron Man che entra in scena con Shoot To Thrill e tiene tutto il tempo una maglietta dei Black Sabbath addosso. Ci tenevo però a rimarcare che nei titoli di coda (dopo la scena finale) parte Live To Rise, il nuovo pezzo dei “Soundgarden”. Rigorosamente tra virgolette perché ok, questa è la formazione originale (o per essere più precisi quella da Badmotorfinger in poi, con Ben Shepherd al basso) però dai, orsù. I Soundgarden. LOL. ROTFL. LMFAO. Ma vaffanculo.

Che porcata, eh? E i Soundgarden non ne hanno mai fatte, di porcate. Hanno fatto cose meno belle, ma dire che Down On The Upside (o Ultramega Ok, pure) sia una porcata non si può proprio. Questa invece sì, è una porcata. È proprio robaccia da quattro soldi, rockettino educato e moscio come solo Chris Cornell è capace di fare da più di dieci anni a questa parte. Uno che ha distrutto, nell’ordine: sé stesso, i Soundgarden, gli Audioslave e la sua carriera solista (scala di valori a scendere: una delle voci più belle mai sentite, un gruppo della madonna, un gruppo potenzialmente carino e poi vabbè), ora vuole completare l’opera riesumando la band madre per un tempo immagino breve ma bastante a ricoprirla di ignominia. E ci sta riuscendo perfettamente. Vabbè, dai: gloria imperitura a The Avengers e abbondanti pallonate di merda sui “Soundgarden”. Consigliatissima Rusty Cage per rifarsi le orecchie, tipo il limoncello dopo il caffè. (Roberto ‘Trainspotting’ Bargone)

Unica consolazione è la speranza di esserci anche il prossimo anno per un’edizione 2013 che già promette bene; il curatore sarà Jus Osborn e ci saranno gli Electric Wizard (confermato qui), segretissime  indiscrezioni danno presenti pure i Saint Vitus con doppio set (uno con Wino, l’altro con Scott Reagers), questa voce è rigorosamente non-confermata  ma se ben ricordate lo scorso anno con la storia dei Voivod ci avevamo preso quindi…

Day 1: Symposium of Iommic Research

Dopo una sveglia di mattina presto e una lunga sequenza di trenino – aereo – macchina – eccetera intorno alle tre e venti la prima birra arriva sul tavolo del Polly Maggoo. Sto appoggiando le labbra sul bicchiere quando squilla il cellulare, il nome del mio capo lampeggia intermittente. Terrore. Dopo un attimo di doverosa esitazione decido di rispondere, si tratta di una richiesta semplice, gli rispondo con cortesia e gli comunico un’informazione scorretta. Finisce la telefonata, spengo il cellulare. Ora per tre giorni per favore non rompetemi il cazzo. L’ennesimo sguardo all’intricatissimo bill per tentare di organizzare il migliore itinerario possibile; l’unica certezza è che non ci sarà certo tempo per mangiare, ma chi ha bisogno del pane quando si hanno la birra e il rock’n’roll?

Entrando allo 013 dobbiamo constatare che il primo tassello dell’elaborato puzzle messo in piedi è già saltato, impossibile entrare in una green room stracolma in cui gli Horisont sembra stiano già arrostendo il popolino. Ci ritroviamo nella Batcave (da quest‘anno ribattezzata Stage01) per gli Year Of The Goat, band di cui non ho mai sentito neanche parlare, ma che mi convince per il semplice fatto di avere un caprone non sulla copertina ma nel nome stesso, alle volte questo può bastare. In realtà mi aspettavo una cosa un minimo più esoterica però si fanno ascoltare, da qualche poi parte tocca pure cominciare. Un breve giro di ricognizione e assestamento tra le sale varie e area merchandise e si va a prendere posti per l’esibizione degli ottimi Saturnalia Temple, show a due velocità, partenza lenta ma crescendo notevole, punto di svolta la scoppiatissima Dreaming Out Of Death, finalmente il collo si comincia a torcere. Misteri orfici, satanismo un tanto al chilo e una chitarra detuned oltre il limite per la sturata di orecchie che da avvio alle danze. Per la prima volta scorgo la presenza di una ragazza dai tratti orientali (d’ora in poi ‘la cinese’) che sarà il mio heavy metal wet dream dell’edizione 2012. Purtroppo la fittezza del programma non permette di tentare chissà quale approccio perché è già ora di andare a e vedere gli OM (il conte Max opta per gli Hammers Of Misfortune che peraltro mi dirà essere molto bravi). Nella semi-oscurità con suoni perfetti, un Cisneros in costante espansione come l’universo su cui ama interrogarsi celebra l’aspetto interiore e deliberatamente spirituale della sua musica, zittendo per circa un’ora l’orda di birromani solitamente dediti al culto del rutto tonante. Cremation Ghat I & II vengono seguite con religiosa attenzione e rispettoso silenzio. Lo show termina fra gli appalusi ma il nervosismo per lo show successivo è già alto. Attendo l’esibizione dei Killing Joke con una serie di aspettative esagerate e purtroppo l’apocalisse che mi ero immaginato non si materializza. Nonostante una partenza bomba con European Super State, alcuni brani nuovi eccelsi (Fema Camp) e l’abbondanza di classici dalle varie ere, lo show non riesce mai ad essere totalmente coinvolgente. Forse il suono doveva essere più alto, forse è l’impostazione totalitaria, forse c’è una freddezza calcolata ma qualcosa nello show non è andato per il verso giusto, poi è chiaro che quando ascolti pezzi come tipo Asteroid, The Great Cull o The Wait non è che stai col culo fermo a lisciarti la barba. Abbastanza ridicolo il comportamento del chitarrista Geordie Walker, autore di una sceneggiata fuori luogo verso il fonico di palco ed annesse minacce da parte del roadie a qualche non-identificato membro del pubblico. Una cosa completamente senza senso che ha creato un’atmosfera negativa rendendo il chitarrista bersaglio di bottiglie e costringendolo a stare dietro a Jaz Coleman per evitare ulteriori lanci. Per un momento ho quasi desiderato che le cose degenerassero, perché l’elemento di imprevedibilità è sempre interessante all’interno di questi show ultra professionali.

“Ozzy, chi era costui?”

Con un po’ di amaro in bocca ci si avvia all’Het Patronaat, nuova location che ha l’arduo compito di non fare rimpiangere il favoloso Midi Theatre luogo di alcune delle migliori performance delle ultime due edizioni. Nonostante il palco sia un po’ piccolo il locale è eccellente nei suoni ed evocativo nella struttura, si tratta infatti di una sorta di chiesa in legno con tetto a spiovente e vetri coi santi alle pareti. Location ideale quindi per l’esoterismo da supermercato degli uber-passatisti Orchid. Fedeli al motto sabbathismo senza limitismo il quartetto californiano tira fuori una prestazione clamorosa, perfettamente credibili nella loro clonazione dei maestri surriscaldano il pubblico e alzano la temperatura del locale a sauna di belzebù; Capricorn e He Who Walks Alone tra gli highlight assoluti della tre giorni. Eroi. Mo’ la sparo: se i Sabbath (quelli veri) intendono non dare una delusione ai loro fan forse dovrebbero farsi scrivere i pezzi dagli Orchid. Tiè, l’ho detto. Quasi a mezzanotte a non ancora do(o)mi ci si trova ancora una volta a dover compiere scelte durissime, tipo quella di dover rinunciare alla prima apparizione dei Voivod (visti tre volte lo scorso anno e che comunque suonano pure il giorno dopo) per sgomitare ad ottenere posti sotto gli ampli per i Sigiryia, gruppo nato dalle ceneri degli Acrimony e il cui unico album (Return To Earth) si è insidiato in maniera subdola nei miei ascolti negli ultimi due mesi. Suono spesso e compattissimo per tre quarti d’ora che sono una vera bomba, partenza svitacollo con The Mountain Goat (sì, sì, le capre non ci abbastano mai), e altri pezzi dai titoli quali Whiskey Song, Robot Funeral. Clamoroso finale con Deathtrip to Eryri. Robba di classe. La mazzata della buonanotte. Pure oggi ci siamo guadagnati la pagnotta.

Day 2: Au Dela Du Reel

La giornata numero due parte in gran spapponamento con la solita assunzione esagerata di calorie al buffet per poi proseguire con il rammollimento gentilmente offerto dall’albergo a base di piscine idromassaggio, bagno turco e saune varie. Tutto molto rancho relaxo se non fosse per l’inquietante vecchiaccia olandese che minaccia di chiamare la polizia se osiamo non toglierci le mutande in sauna, inutile tentare di spiegarli che veniamo dalla piscina dove invece il costume te lo devi tenere, ci leviamo le mutande per la sua gioia, purtroppo per noi lei è un cesso ributtante di circa 70 anni; col terzo occhio formo un immagine della cinese in pantaloni di pelle con lacci che mi rende subito più tranquillo ed in pace col mondo. Nel primo pomeriggio visita culturale alla mostra di Away che espone vari dei lavori che abbiamo ammirato sulle copertine dei Voivod più altre cose, lui è lì e chiacchiera di qualsiasi cazzata con tutti quelli che entrano, una personcina davvero ammodo, tutto tranne che inavvicinabile, la figata del Roadburn è anche questa. Archiviata la parentesi artistica si è di nuovo pronti per il mosh pit, ancora una volta il piano originale che prevedeva i Farflung in apertura di giornata salta per l’impossibilità di accedere nella sala, il girovagare ci porta agli Hexvessel, però siamo alla ricerca di vibrazioni più rozzamente heavy metal e quindi la scelta cade sui Danava a causa del logo con font dei Pentagram, le t-shirt con le motociclette e foto di copertina che li raffigurano come personaggi di una bruttezza rara. Sembra la scelta giusta ma lo show si rivela una mezza sola, non certo per la proposta ma per il mancato coinvolgimento generale, accentuato anche da qualche problema tecnico. Dato che le alternative non mancano si prova con i Solstafir di cui non ho mai sentito una nota e non so manco che genere facciano e che si riveleranno essere molto interessanti. Un look abbastanza improbabile (cowboy nibelunghi?), un sound possente ma al contempo dilatato ed evocativo, nonostante una indiscutibile heavyness il concerto ti prende più a livello di testa che di pancia. Bello davvero. Una delle proposte più originali che ho visto al festival, nessuna delle innumerevoli (quanto spesso inutili) etichette che conosco sembra fare al caso loro, a pensarci è una cosa piuttosto rara. Di sicuro andrò a cercare i loro album. Si ritorna su lidi più riff-oriented con i Witch che sono una sorta di variante garage-indie della musica del demonio, notevoli per groove, pompa e approccio cazzone. Nota di colore: dietro la batteria siede J. Mascis dei Dinosaur Jr. Finito il set voglio subito il disco, vado diretto al loro banchetto ma i due album (entrambi su TeePee Records) sono esauriti. Rosico, meno male che esiste Amazon. Le mazzate vere però stanno per arrivare, la prima è una bastonata da 10 quintali ovvero gli Yob che fanno tutto The Unreal Never Lived (i.e. quel macigno di quattro brani che si apre con Quantum Mystic e si chiude con The Mental Tyrant). Sono un gruppo piccolo per numeri ma qui al Roadburn sono una band enorme, probabilmente tutti i fans che hanno in Europa sono in questa sala e questo crea un’atmosfera davvero speciale. Nel bis piazzano pure quella bomba di Adrift In The Ocean dal favoloso ATMA. Trionfo totale. Corro a comprarmi la maglietta, stavolta ho successo (era anche l’ultima, fichissima, la sfoggerò in ogni occasione di livello).

Soddisfatto dell’acquisto si rientra per quella che già solo sulla carta sarà una roba epocale ovvero Voivod performing Dimension Hatross in his entirety (in realtà manca Batman sul finale, io e qualche altro sfigato la invochiamo a ripetizione, alla fine Blacky ce ne concede dieci secondi per bocca e basso). Apice toccato con Macrosultions To Megaproblems, il sorpresone arriva però sul finale (per la bile di Ciccio) dove mettono come bis Jack Luminous dal grandioso The Outer Limits (che è poi il nome inglese del film che da il nome alla giornata di oggi - Au Dela Du Reel). L’ennesimo trionfo per una band che, annunciata a sorpresa lo scorso anno, è riuscita a fare di questo festival casa propria, sarà strano non averli qui il prossimo anno.

Ce ne sarebbe abbastanza per andare a dormire con il sorriso sulle labbra ma il mai domo conte Max mi trascina a vedere gli Huata, le cui cassette confezionate a guisa di piccoli tomi medievali penso abbiano stimolato la sua fantasia di oscuro bibliotecario. Il cantante indossa un saio rosso, si concede frasi in latino e beve una sorta di fragolino per tutta la durata del concerto. Nonostante questi grandiosi effetti speciali il concerto è una mezza rottura di palle, anche il conte stesso alla fine li bollerà come ‘noiosi e pretenziosetti’, forse lo zozzo crust dei Doom sarebbe stato una scelta più corretta ma troppe opzioni alla fine possono essere un problema (accade anche questo). Un paio di brani degli Anekdoten e poi tutti a nanna che anche domani sarà tosta.

Day 3: Proceed the weedian…

Il terzo giorno si apre con una visita al Grasscompany e il conseguente girovagare a caso per la città, l’inutile pellegrinaggio si concluderà solamente con una sosta ad un bar per ingozzarsi di untuosi onion rings. Adeguatamente (?) rifocillati si inizia con i Celestial Season, band che ricordavo facesse roba molto differente da quello che propongono qui oggi (growling a go-go), non è nelle mie corde quindi ci si dirige verso altri lidi. Il programma prestabilito prevede: Church of Misery, Purson, Obsessed, Sleep e Devil. Riuscirò pure ad infilarci in mezzo pure il finale dello show dei Pelican (oh yes). Ma andiamo con ordine, i Church Of Misery sono uno dei miei gruppi preferiti ma mi aspettavo la fregatura dato il cambio di cantante e chitarrista; in realtà il nuovo singer è indistinguibile dal precedente ed ha solo il difetto di essere notevolmente meno brutto, Tom Sutton invece è ancora al suo posto quindi niente brutte sorprese, la pacca è inalterata. E comunque ci sono prodotti con i quali si va sempre sul sicuro: il doom metal giapponese dalle tematiche serial killer è uno di questi. Li adoro, mi ci sono pure fatto una foto, sarà per sempre sul mio comodino accanto a quella di mio figlio e alla cartolina autografata di Antonio Benarrivo.

I Purson, la nuova sensazione della Rise Above, sono un gruppo di ragazzini inglesi con uno/due singoli alle spalle e fanno lo show che ti aspetti da gente che ha i pantaloni a zampa d’elefante e medaglioni al collo. L’album dovrebbe uscire entro fine anno, credo mi piacerà. Per la cronaca: la cantante Rosalie Cunningham oltre a fare tutto (pure gli assoli) è anche piuttosto bona. Senza sosta si scende a cercare posto per gli Obsessed, il fato vuole che la cinese sia accanto a noi, mando in avamposto il conte Max VonG (noto anche come il George Clooney del metal italiano) purtroppo mio fratello è troppo preso dalla performance del trio per difendere la reputazione degli italiani all’estero. C’è poco da biasimarlo però perché lo show è intenso e potente, la formazione (quella di The Church Within con l’onnipresente Guy Pinhas) gira alla perfezione. Wino dopo la performance deludente dello scorso anno, sembra invece pienamente ripreso. Un’altra tacca su un gruppo che prima o poi toccava vedere. Finisce lo spettacolo ma nessuno si muove. Ci siamo, nel giro di mezz’ora gli Sleep saranno sul palco. Si percepiscono vibrazioni di eccitazione e nervosismo, l’intero festival è stato in funzione di questo, il loro merchandise è esaurito dal primo giorno (mi mangio le mani per non aver preso la t-shirt). Questo è l’evento. Il main stage si riempie con largo anticipo e davvero non l’ho mai visto così pieno. Matt Pike è inguardabile, ai limiti dell’inquietante: panza gonfia di birra, i jeans calati a metà sedere e senza mutande sotto, la vista del suo culo flaccido è l’apocalisse del doom, davvero too much information. Attaccano con Dopesmoker di cui suonano la prima sezione (una ventina di minuti). Boom. Poi varie cose da Holy Mountain, difficile trovare un apice, un set di un’ intensità rara, un volume assolutamente inaudito. Cisneros richiede che qualcuno gli passi una canna d’erba che però non abbia tabacco (i californiani, che siano loro o i Cypress Hill, sono gente che ai dettagli ci tiene). Parte Anctarticus Thawed, ad un certo punto il volume era così alto ho temuto che mi stesse saltando un’otturazione. Sul finale credo davvero che i muri stessero tremando e il tetto potesse crollare, è stato bellissimo. Jim Marshall guarda e sorride. Il concerto entra diretto nella mia top five personale. File under: cose da raccontare ai nipoti. Uscendo guardavo le facce della gente per capire quale fosse l’umore, erano tutti tra l’estasiato e l’annichilito. Un tizio mi guarda e presumo interpretando il ghigno sulla mia faccia mi domanda “How good was that?”, faccio un cenno di assenso con la testa, provo ad articolare qualcosa ma in realtà sono senza parole.

Una cosa del genere andrebbe metabolizzata invece tempo tre minuti mi ritrovo nella green room per vedere in azione gli alcolici  Devil e cantare Break The Curse (il brano eletto inno ufficiale della trasferta dai fratelli corna). Mi godo lo show ma comunque sto davvero con la testa da un’altra parte, ad un certo punto oso anche pensare che forse dovrei uscire, che forse ne ho avuto abbastanza. Fortunatamente mi viene in mente che domani sarò su un aereo e lunedì sarò seduto in ufficio a contare i minuti che passano tra l’orario di entrata e quello di uscita; quindi è meglio che non faccia lo stronzo e mostri una certa gratitudine al dio del metal (Ronnie James che ci guardi di lassù) che tanto generoso è stato oggi. Faccio il mio dovere di buon headbanger, cosa che consiste nell’andare a prendere una birra e celebrare il finale con l’unico coro possibile: “witches, witches, witches on fire!”. Finisce lo show, guardo mio fratello, è un uomo felice. Ce l’abbiamo fatta, siamo sordi e cotti ma non siamo mai stati meglio. Tipo zombi del rock’n’roll entriamo a guardare la heavy jam in cui una serie di personaggi suona contemporaneamente assoli a cannone, fico, ma dopo dieci minuti decidiamo che è davvero troppo. Non oso neanche pensare quanta roba da paura mi sono perso, gesummio che festival. (Stefano Greco)

Ci sono band di cui non si può fare a meno. O meglio di cui tu non puoi fare a meno e nemmeno la storia può fare a meno. Una di queste sono i Saint Vitus, indiscutibilmente uno dei gruppi migliori del mondo, come dice una delle tag che usiamo qua a MS. Quello che i Black Sabbath crearono ormai più di quarant’anni fa è stato ripreso e reinventato a seconda degli stili. Band come Pentagram in America e Candlemass in Svezia possono essere annoverate tra i più importanti esecutori della musica lenta ed esasperante, su questo non v’è dubbio alcuno. E poi c’erano (e ci sono ancora, grazie a Belzebù) i Saint Vitus. Semplicemente terrificanti, con il loro sound opprimente e quell’accordatura, con quel wah che ti risuona nelle orecchie, e quei riff… Dio mio, quei riff… Dave Chandler è un personaggio sporco e cattivo. Un drogato allucinato e schizoide. Uno la cui vita si svolge probabilmente a ritmi talmente bassi ma talmente bassi che potrebbe campare altri cento anni e sfornare capolavori a iosa, come già ha fatto a ripetizione negli scorsi decenni, d’altronde.

Una volta, quando vivevo nella “ridente”, piovosa e nebbiosa Forlì (senza offesa per i forlivesi, bravissima gente), vengo svegliato in piena notte da rumori molesti e luci tipo strobo che provenivano dalla strada. Mi affaccio e vedo un’ambulanza in mezzo alla sede stradale, con tanto di lampeggianti accesi. La via dove abitavo io è stretta e a senso unico, in più le macchine parcheggiate da ambo i lati rendono praticamente impossibile il transito in una condizione del genere. Noto una certa frenesia intorno al mezzo. Portantini che escono dalla cabina con una barella in mano e tutta l’attrezzatura da rianimazione, ed irrompono nel palazzo accanto. Dopo un po’ una macchina si infila nella via e, trovando il passaggio ostruito, il conducente decide bene di suonare il clacson e dire all’autista dell’ambulanza qualcosa del tipo “Beh, mo’ ci muoviamo, soc’mel!”. Quello per tutta risposta, con un tono piuttosto alterato, gli fa: “Mo’ non vedi che sta morendo?”. Almeno questo è quello che ho sentito.

Ora, io sono uno di quelli che considerano il silenzio più rumoroso del casino ed è per questo motivo che in tutta la mia carriera universitaria non ho mai potuto fare a meno di studiare con la musica, magari a tutto volume. Stesso discorso vale per il sonno. Per conciliarlo io metto sempre su qualcosa nel mio stereo. E questo qualcosa può essere sia death metal che qualche orchestra swing degli anni quaranta. Poco importa. L’importante è che sia nelle mie corde in quel momento preciso. Indovinate cosa avevo messo su, appena tutto quel frastuono proveniente dalla strada mi aveva svegliato? Beh, era proprio la pesantissima Born Too Late ad accompagnare quei momenti da Real Tivvì. Tragica la vita, tragico il destino. Eppure penso che sarei contento di udire quelle note al momento del mio trapasso. Niente si addice di più. Toccatevi pure i testicoli, ma questa è una verità sacrosanta. Quell’album è talmente depressivo e depresso che risulta anche essere antidepressivo in certi frangenti. Perché ti rendi conto che, mentre sei depresso come una merda e ascolti The Lost Feeling, ci sono persone che la depressione ce l’hanno attaccata alla pelle come un tatuaggio, e da questa condizione hanno tratto delle autentiche opere d’arte. I loro nomi sono David Chandler e Scott Weinrich. Quindi qualunque minchiata tu possa avere per i cavoli tuoi sai sempre che in confronto a loro sei e sarai sempre un maledettissimo dilettante, visto che questi loschi figuri del malessere più puro hanno fatto un autentico stile di vita.

Eravamo rimasti al 1995, anno in cui vedeva la luce il cimiteriale Die Healing. Era leggermente diverso perché allora era il turno di Scott Reagers dietro al microfono. Qua tocca ancora una volta a Scott “Wino” Weinrich. E si sente. Gli echi di album favolosi come Born Too Late sono presenti dall’inizio alla fine. Ed è un bene, credetemi, visto che quell’album è semplicemente cruciale nella storia del doom mondiale. Questo Lillie: F-65, dalla durata analoga a quella del capolavoro già citato (un trentacinque minuti scarsi), segna il ritorno sulle scene degli Dei, e lo fa in grande stile. Lo so che chi mi conosce dirà: “Ma tu non eri quello che snobbava le reunion a più di dieci anni di distanza?” Sì, cazzo. E’ vero. Lapidatemi ma sui Vitus mi sento in dovere di fare un’eccezione. A parte che questo è sì il loro primo disco dal 1995, quindi teoricamente ne sarebbero passati ben diciassette di anni, ma se proprio vogliamo essere pignoli allora vi dico che la reunion del 2003, in quel di Chicago, dove registrarono un concerto che venne pubblicato anche su dvd quattro anni più tardi, abbassa il tempo di attesa a nove anni.

Let Them Fall, l’opener, l’abbiamo già gustata il mese scorso, con quel bellissimo video da suicidio. Track pesante come un macigno di granito, niente da dire. Sentitevi la successiva The Bleeding Ground, impossibile non accostarla, almeno inizialmente, alla fantastica Dying Inside, già presente su Born Too Late, nonché inno di tutti gli alcolisti. Sentitevi l’accelerazione finale, cosa che i nostri hanno sempre proposto con parsimonia, ma mai inutilmente, soprattutto nei dischi con Wino. Davvero coinvolgente. Quando c’era Scott Reagers erano un po’ più esuberanti, è vero, e capitava un po’ più spesso di sentire cavalcate come la mitica White Stallions o War is Our Destiny. Ma qua si respira la stessa atmosfera che ci dovrebbe essere al Verano di notte, e pezzi come Blessed Night (l’altro singolo apripista) e The Waste of Time non fanno assolutamente eccezione.

Eppure è con Dependence che si toccano i livelli di mal di vivere che tutti riconosciamo al quartetto losangelino.

Woke up sick/ again today
a new gash/ on my face
I can’t remember/ what I did
now pain sets in…

Alzi la mano chi di voi, almeno una volta nella vita, non ha provato tutto ciò (vabbè, dai, anche più di una volta, nessuno vi giudica qua).

La sensazione che si ha, ascoltando pezzi come questo, è la stessa che si insinua dentro di te nel momento stesso in cui apri gli occhi cisposi dopo una nottata di bevute colossali. Nausea, malessere, stomaco sottosopra. Però ci si sente un po’ meno male allo stesso tempo, perché sai che, qualunque sia il motivo per cui hai alzato il gomito così in alto la sera prima, sia perché la pischella ti ha mollato, o perché hai perso il lavoro, o qualunque altra brutta situazione che si è cercata di dimenticare, Dave Chandler e Scott Wino ti guardano, dall’olimpo degli Dei del doom, e ti sorridono benevoli. Album del 2012, per ora. Ma a questo punto deve uscire qualcosa di sconvolgentemente strepitoso per scalzarlo dal gradino più alto del podio. (Piero Tola)

A proposito, quasi dimenticavo:

R.I.P. Armando Acosta (1952-2010).